PASE DE 7ª

RARE NOIR (VIII)

2011-09-11T10:02:00.004+02:00

CHICAGO DEADLINE (1949), de Lewis Allen.

Y aquí tenemos a Alan Ladd al fin, uno de los iconos por excelencia del film noir, casi siempre acompañado por Veronica Lake en los recordatorios de postal, con similar aire misterioso y escasa envergadura física. Después de haber dominado las constelaciones más espectaculares del artisteo mundial en los años 40, a medida que la década más compleja de los años 50 se iba desarrollando, Ladd vio su trayectoria ir en picado. Poco después, su propia vida se truncaría de manera trágica apenas comenzados los 60.
Y para aquellos que ya superamos la treintena, el mito de Ladd quedó relegado a nostálgicos recuerdos de nuestros padres ("¡Shane...!"), a una imagen de galán anticuada en el cuerpo de un rubio repeinado, de rostro un tanto aniñado, sin demasiado atractivo. Y bajito. Poca gente se ha acordado de Alan Ladd en los últimos 40 años (recuerdo una cariñosa semblanza biográfica de Terenci Moix, cinéfilo vertiente cotilla pero ocurrente y a menudo interesante), y digo yo, qué pena.

Ladd fue único

Me encanta Alan Ladd y una gran parte de su filmografía. Si lo observamos sin prejuicios descubriremos a un actor muy bueno, poseedor de una de las mejores y más varoniles voces del mundo de la interpretación, creador -posiblemente de manera inconsciente; ahí está el talento innato- de una figura única y definitoria dentro del cine negro. Trajo a la pantalla una extraña sensibilidad, mezcla de inseguridad y tristeza, pesimismo y rebeldía postrera, e impregnó al criminal o al detective privado con todo eso. Burt Lancaster compuso luego sus personajes condenados del film noir con alguno de los ingredientes de Ladd, aunque contrastados con la desbordante vitalidad del atleta. Cosa que, a pesar de su pequeña estatura, era Ladd también, habiendo destacado en natación y otras disciplinas para luego abandonar una futura carrera deportiva por el cine.

Donna Reed

Chicago Deadline (El misterio de una desconocida, en la típica traducción/interpretación ramplona en español de muchos estrenos anglosajones) fue dirigida por Lewis Allen, experto realizador de thrillers y pelis de suspense como The Uninvited (1944) o Suddenly (1954).
Ladd es Ed Adams, reportero de Chicago que se encuentra el cuerpo sin vida de una chica en una pensión de mala muerte. Junto al cadáver, una agenda llena de nombres y direcciones que el periodista se ve impelido a seguir, para así averiguar todos los qués y porqués de la bella sin vida. Por supuesto, el recorrido que seguirá Adams está jalonado de drama, crimen y sangre. El personaje de Ladd, obesionado con Rosita (Donna Reed), nos remite al detective encarnado por Dana Andrews en Laura (1944), aunque sin los aspectos onírico-necrófilos tan románticos de la película de Preminger. Con todo, es un estimable thriller con buen suspense y ambientación.

Tarea 6 del curso de rare noir: Chicago Deadline.

(Continuará)

RARE NOIR ( VI )

2011-08-09T18:40:00.006+02:00

BETWEEN MIDNIGHT AND DAWN (1950), de Gordon Douglas.

Douglas fue uno de los grandes todoterrenos del cine, no sublime pero efectivo casi siempre tanto en westerns como en cine negro; trabajador a destajo desde los años treinta, primero como actor, ya rápidamente dirigiendo una miríada de cortos y series (no televisivas), como las de The Falcon o Dick Tracy, metido en los 40. Ofrecía, en su dedicación desprejuiciada al cine, películas un poco grises, de trámite, como The Big Land, western con Alan Ladd, o Bombers B-52, drama de aviación romántico, las dos de 1957; o una de las que entran en la atractiva categoría de "peores películas de la historia": Viva Knievel!, de 1977; o una obra maestra del cine, como Them! (1954).
En ese cóctel intrigante que es su filmografía, predominan, sin embargo, trabajos sólidos y con ritmo de particular idiosincrasia, especialmente en el cine de acción. Por ejemplo, dentro de géneros con armazón establecido, como el de aventuras o el western, incluye a menudo innovaciones dramáticas o toma riesgos que hacen que hoy en día su cine resulte a menudo sorprendente. Véase la violencia inusual de The Black Arrow (1948) o los arrebatados duelos en The Iron Mistress (1952), por ejemplo.

Ella no sale en esta foto manipulada, pero Douglas tiene en el colo a June Allyson.

Pues bien, siguiendo con su particular visión del cine de género, Douglas nos presenta este entretenido y original noir, en el que los protagonistas son una pareja de patrulleros que peinan la gran urbe anónima. Siguiendo un poco la onda de thriller semidocumental que se instauró en Hollywood después de la guerra, y durante unos 5 ó 6 años, las rondas nocturnas de los dos amigos -y sus vidas privadas- constituyen el grueso de la trama, que se canaliza en la parte final, de una manera sorprendentemente dramática y nada convencional, hacia la resolución de un caso concreto.
El simpático pero poco carismático Mark Stevens es uno de los patrulleros. El otro es el siempre efectivo Edmond O´Brien, que compite por los atractivos de Gale Storm con su amigo.

O´Brien...

Stevens...

...y la mujer.

La relación a tres, llevada de una forma inteligente y con sentido del humor, es otro de los ingredientes que asientan el film con firmeza. Y no nos olvidemos del personaje encarnado por Donald Buka, otro de los memorables criminales psicópatas del cine.

Tarea 5 del curso de rare noir: Between Midnight And Dawn.

(Continuará)

RARE NOIR (V)

2011-07-06T11:51:00.005+02:00

SHAKEDOWN (1950), de Joseph Pevney.

Joseph Pevney había hecho unas cuantas películas como actor de reparto -precisamente en películas negras como Nocturne, Body and Soul o Thieves´ Highway, en la segunda mitad de los años 40- antes de dar el salto a la dirección y enfilar su destino definitivo en el sendero del thriller y el cine de aventuras, sobre todo. A partir de los años 60 se recluyó en el más encorsetado, sanitized y previsible mundo de la TV (hoy las cosas han cambiado), pero sus carrera cinematográfica merece ser recordada por la energía y el suspense que destila en sus mejores producciones. No estamos hablando de un maestro del crime-thriller de la talla de Karlson, pero sí de un realizador prácticamente siempre entretenido y a menudo original en sus propuestas.

Pevney también se asignó un papel de reportero en Shakedown.

Y Shakedown, su primera película, es un gran ejemplo de lo que Pevney podía hacer: entretenimiento de primera clase. Lo que prima aquí es una trama llena de personajes que se van entrelazando unos con otros a partir de un diseño de piezas sueltas, para acabar engarzados en un click definitivo que pone un gran broche a una historia trepidante. El click y su doble sentido lo entenderán los pocos que han visto el film, que solamente circula por ahí en una copia de calidad infumable.

Howard Duff, rostro popular también en la caja tonta a partir del momento en que su carrera en el cine dejase de cuajar mínimamente, a mediados de los 50, encarna a uno de esos personajes despreciables que te encanta adorar; un periodista sin escrúpulos empeñado en trepar hasta la cumbre. En esta trama llena de vericuetos, pero simple y directa como lo mejor de los pulps, Pevney introduce elementos novísimos: uno de los protagonistas más inmorales que parió el cine, aderezado con un atractivo sexual inusitado en la época. Sorprende ver el efecto que Jack Early (Duff) provoca en las damas- teniendo en cuenta que hay que ser precavido a la hora de opinar sobre los insondables gustos de las mujeres. El sex appeal y el empaque de Duff no eran los de Gary Cooper o Errol Flynn, pero hay que darle lo suyo y admitir que el actor se luce y se come a todos en el film, y eso que se pasean por allí extraordinarios tipos como Brian Donlevy o Lawrence Tierney (incluso Rock Hudson en una de sus primeras apariciones, que dura segundos). Peggy Dow, olvidada hoy, pero atractiva e inteligente, compone un buen papel de enamorada incauta -pero no ingenua.

Tarea 4 del curso de rare noir: Shakedown.

(Continuará)

RARE NOIR (IV)

2011-07-04T18:02:00.004+02:00

99 RIVER STREET (1953), de Phil Karlson.

Calle River 99 quizá juegue en la misma liga que Crime Wave, de André de Toth, en cuanto a popularidad y relevancia histórica en el género: sin estar ninguna de las dos en las conversaciones más habituales sobre el film noir, sí es verdad que no han pasado desapercibidas para aquellos que bucean a mayor profundidad. Luego, aunque las dos tramas comparten algunas situaciones, los films presentan diferentes objetivos y ambiciones. Mientras que el film de de Toth desarrolla una historia más compleja, con diferentes puntos de vista y protagonismo casi coral, 99 River Street es un thriller con una premisa muy sencilla y recurrente: el falso culpable, perseguido y tratando de encontrar al responsable de su dramática odisea. Por supuesto, la simplicidad del mimbre estructural da paso en manos de Phil Karlson a un inolvidable análisis sobre la violencia y la ira, la frustración y la ambición.

Phil Karlson, maestro de la contundencia

Karlson, nacido en Chicago, como S.Sylvan Simon, es otro de los grandes olvidados maestros del cine de género criminal. Que es como decir del cine. Como pasa con otros coetáneos humildes, llamados a menudo "artesanos", lanzarse de cabeza a la filmografía de Karlson es iniciar una temporada de descubrimientos asombrosos: un uso de la violencia inusitado, personajes atrapados y en tensión, en historias duras y compactas, sin moralina. Basta con recurrir a títulos como Kansas City Confidential (1952, quizá su título más abiertamente influyente; ahí está Tarantino para decirlo), Tight Spot (1955, asombroso thriller claustrofóbico), The Brothers Rico (1957, uno de los primeros retratos adultos de las familias mafiosas y, acorde a su estilo, implacable e influyente) y, sobre todo The Phenix City Story (1955, el más arriesgado tratamiento sin compromiso de la política corrupta y el crimen organizado que recuerdo) para apreciar la talla de este creador.

John Payne, de galán simpático a duro sin concesiones

99 River Street, para algunos puristas, quizá esté más allá de los lindes del cine negro, al sustituir una trama basada en la intriga y lo desconocido, por una historia que se desarrolla en diferentes fases de explosiones de violencia. Pero en la búsqueda sangrienta de la verdad por parte de un boxeador fracasado, la atmósfera, los diálogos del film noir están ahí. John Payne, un actor de primera categoría, luego de haber recorrido más de una década en musicales y comedias en el papel de chico afable, encontró gracias a Karlson nuevas dimensiones interpretativas. De la misma manera que Hitchcock o Anthony Mann supieron ver en James Stewart ocultas neurosis e ira reprimida, Karlson utilizó la vertiente simpática y casi inocente de Payne para luego convertir al actor en verdadera representación de hombre duro sin ambages, en ésta, la mencionada Kansas City Confidential y Hell´s Island (1955, magnífica mezcla de cine de aventuras y cine negro en color).

Tarea 3 del curso de rare noir: 99 River Street.

(Continuará)

RARE NOIR (III)

2011-07-03T17:59:00.007+02:00

I LOVE TROUBLE (1948), de S. Sylvan Simon.

Para rare, rare, ésta. Como olvidado y prácticamente desconocido es hoy su director, oriundo de Chicago, que vio terminar sus días de manera sorpresiva a los 41 años. Su repentina muerte en 1951 le privó, con toda seguridad, de una carrera mucho más larga y llena de hallazgos. Así da que pensar su filmografía, de número nada despreciable y con muy buenas muestras en distintos géneros, a pesar de haber frecuentado sobre todo productoras modestas.

Simon, creador de singular inventiva

Las pocas películas de Simon a las que les he podido echar el guante dejan a las claras a los pocos minutos de metraje que no estamos ante el producto de entretenimiento al uso (dejando claro que gran alabanza es que un producto sea entretenido). Multitud de personajes; tramas complejas en la arquitectura narrativa de la peripecia, que no en la psicología de los caracteres; el uso del flashback como elemento creador de suspense, y no al revés, como sucede a menudo; presentación ambigua y sorprendente de los protagonistas, que a menudo dejan de serlo; puesta en escena funcional pero enérgica...
Todo esto se puede disfrutar en filmes como Lust for Gold (La fiebre del oro, 1949), originalísimo western de suspense con atolondrado título español; Grand Central Murder (1942), un delicioso whodunnit entre vías de ferrocarril, o la protagonista de hoy, I Love Trouble. El film es una adaptación de la novela de Roy Huggins (que también firmó el guión) The Double Take. El propio Huggins dirigió en 1952 su única película, Hangman´s Knot (Los forasteros), un excelente thriller en clave de western, o al revés.

Tone, galán complejo

Franchot Tone hace las veces del Private Eye de turno, un remedo de Marlowe o Spade, pero más ligero, sustituyendo la ironía por el humor y no escatimando en sonrisas. Tone, que fuera pareja apasionada de Joan Crawford en la vida real y galán difícil de clasificar en los años 30, vio como su carrera se iba disolviendo a medida que la década de los 40 avanzaba, refugiándose en la TV en los 50 y ya hasta el final de sus días, salvo dos o tres incursiones en papeles secundarios en los 60. De todas maneras, fue un tipo que caía simpático y sus papeles los lleva con relajación y empaque.

Janet Blair y su hoyuelo

Janet Blair fue la partenaire de Tone, y su carrera bastante frustrada. Injustamente, pues hablamos de una artista versátil y desaprovechada, recordada por apenas un puñado de películas memorables. Siguió el mismo camino que Tone a partir de los años 50.
¿Y la trama de este misterio con detectives privados, mujeres sospechosamente peligrosas, maridos indignados, esposas desaparecidas y asesinatos varios? Pues deberéis seguirla con atención, ya que Simon nos lleva por meandros y dead alleys que nos pueden hacer acudir a una sinopsis a la mínima que nos descuidemos. Es un buen misterio: retorcido, intrigante, y aunque no sea totalmente imprevisible, es satisfactorio haber estado presente durante el viaje.

Tarea 2 del curso de rare noir: I Love Trouble
(Continuará)

RARE NOIR (II)

2011-07-02T11:16:00.008+02:00

Así que vayamos al grano. Hoy:
CRIME WAVE (1954), de André de Toth.

Esta historia de criminales, ex-criminales, agentes de la ley, atracos y secuestros, con la ciudad de Los Angeles como telón de fondo, es imprescindible. No nos encontramos en las maravillosas profundidades abisales de la serie B -es un film Warner de pleno derecho-, pero, incomprensiblemente, poca gente parece conocer la que es quizá la cumbre de la obra del húngaro André de Toth. No hace mucho que, gracias al DVD, el film se ha empezado a distribuir (allende los mares) así que esperemos que esta gran olvidada pueda quizá algún día codearse en la misma sala VIP con otras joyas del cine negro.

De Toth le muestra a Gary Cooper que el "Springfield Rifle" puede funcionar. Hicieron el western juntos en 1952.

De Toth, uno de los grandes tuertos del cine, conocido entre el gran público por su entretenida versión de House of Wax (Los Crímenes del Museo de Cera, 1953), me obsesionó hace un par de temporadas de tal manera que me vi obligado a engullir todo lo que pude conseguir de su sabrosísima filmografía (esto es, todo, excepto su sepultada etapa húngara). Su interesante autobiografía y su libro de entrevistas revelan a un tipo inteligente, humilde en el alcance de su carrera, con una vida rica en experiencias (pertenecía a aquella raza de artistas con un bagaje vital impresionante a sus espaldas, y con el talento para luego plantárnoslo en la pantalla con ese resultado lleno de frescura e inmediatez que el tiempo no logra borrar.)
Sus películas, que frecuentan el western y el cine de misterio, el drama y la guerra, son secas y sintéticas, con héroes en conflicto y villanos inigualables. No hay un estudio psicológico abotargado, sino una presentación de la maldad y el sadismo, de las debilidades humanas, muy particular, haciendo su cine muy identificable. Asimismo, su visión de la mujer es muy moderna y relevante, ya desde sus películas de los años 40. La vida de de Toth está llena de mujeres y matrimonios (e infinita descendencia), y Veronica Lake, icono del film noir, fue una de sus chicas.

Sterling Hayden en uno de los antológicos momentos con cigarrillo del cine

En Crime Wave el rodaje se llevó a cabo en escenarios naturales de Los Angeles, consiguiendo una atmósfera muy especial en diferentes momentos del día a medida que la trama se va desarrollando. La tensión y sufrimiento de la pareja (un inédito Gene Nelson y la preciosa Phyllis Kirk, a la que recurrió de Toth en otras ocasiones) se enriquece con el soñoliento amanecer de la capital o el crepúsculo amenazador en las calles en sombra.
Un ex-recluso en proceso de reformación es acosado por sus antiguos compañeros, un fantástico grupo de criminales (tomen nota: Charles Buchinsky (a.k.a. Bronson), Ted de Corsia -increíble villano con fantástico nombre-, Nedrick Young), mientras que un cansado y honrado policía sobrevuela el drama e intenta ver quién es quién (Sterling Hayden luciéndose y fastidiando a los actores que viniesen después para hacer el mismo papel).

Tarea 1 del curso de rare noir: Crime Wave.

RARE NOIR (I)

2011-07-01T15:21:00.006+02:00

Un paseíllo ahora por el film noir, nada lejos de los amargos cauces del mundo del boxeo. Me voy a sacar de la manga una lista de las mías, una enumeración de películas de uno de los dos o tres géneros que más me maravillan. La complejidad moral del hombre después del Segundo Gran Conflicto Armado, la femme fatale en una de sus formas más evolucionadas y letales, valores puros por el desagüe porque no hacen falta, la amistad traicionada y el amor como la peor condena... todo esto, más detectives privados, empresarios corruptos, gangsters todopoderosos, gangsters de segunda fila sin ley seca de la que aprovecharse, desempleados sin futuro y sin paciencia, asesinos a sueldo y desgraciados que pasaban por allí cuando no debían. Y más.
Sin embargo, esto será un listado para ya iniciados, aquellos que quieren ir aún más allá de las joyas cinematográficas y otras que no lo son tanto pero que constituyen junto con las primeras el abc del cine negro. Hablaremos de films olvidados o nunca tenidos en cuenta, grandes películas que hay que recuperar o modestas aportaciones de serie B con las que completar una filmografía determinada o darse un capricho de cinéfilo. No argumentaré nada acerca de THE MALTESE FALCON, THE BIG SLEEP, OUT OF THE PAST, KEY LARGO, THIS GUN FOR HIRE, THE BLUE DAHLIA, HIGH SIERRA, WHITE HEAT, TOUCH OF EVIL, THE GLASS KEY, DOUBLE INDEMNITY, THE KILLERS, CRISS CROSS, KISS OF DEATH y otras estudiadas hasta la saciedad.
Por supuesto, junto con otros, los más famosos iconos estarán ahí (Bogart, Mitchum, Lancaster, Ladd, Bacall, Hayworth, Greer...), como antorchas eternas iluminando el recuerdo de las avenidas oscuras del género en su época dorada (desde 1942 año arriba, año abajo, hasta 1958 año arriba, año abajo):

Para conseguir el Certificado de Nivel Básico y poder acceder a las próximas entradas del blog con conocimiento de causa, habrás de indentificar los fotogramas de arriba.
(Continuará)

Y la que llevaría a una isla desierta: THE SET-UP

2011-06-12T19:33:00.006+02:00

1949 y la obra maestra de Robert Wise. 'Nuff said.

¡Chaplin la arma en el ring!

2011-05-12T21:13:00.000+02:00

SANGRE SOBRE LA LONA

2011-04-29T17:53:00.016+02:00

¡Hey! ¡Parece que los de blogspot no mandan al limbo a los vagos como yo!

Aproximadamente 330 días sin escribir nada en mi recuncho... Bueno, ahí va una minidosis. Hoy...

Boxeadores en las pelis...

Atrás queda la época en la que yo despotricaba contra el boxeo, riéndome de los dos tipos que se parten la cara subidos a un ring. Hoy en día no me he convertido en un seguidor de ese deporte, pero entiendo la nobleza, la técnica particular y hasta el aspecto artístico del que hacen gala los púgiles en pleno combate. No me refiero, por supuesto, a la extirpación auricular del Tyson: hablo del espítitu esencial de la contienda entre las cuerdas, de los sueños que mantiene un hombre con los dientes rotos, del drama que muchas veces se oculta detrás de un directo bien afinado. Y, una vez más, el cine ha hecho suyo este deporte, más que ningún otro. A pesar del exiguo espacio del cuadrado de lona, a veces en unos rostros sudorosos y sangrantes, otras veces en el público enervado, la cámara de muchos maestros ha sabido extraer trozos de vida y reflejar la tragedia humana de una manera dolorosamente real. El boxeo es un género cinematográfico en sí mismo.
Hablaremos entonces de unas cuantas pelis de boxeadores (no incluiré ejemplos más endebles entre los que se encuentran éxitos como las lloradas del Stallone y sus "Rockys" u otros más recientes como The fighter, de David O. Russell).

1.The Ring, de Alfred Hitchcock (El ring, 1927)
El genio inglés levantando una historia un tanto rutinaria con su deslumbrante imaginación visual y su ojo para el detalle. Dos boxeadores pelean también fuera del ring. Por una mujer, claro. En inglés, "ring" adquiere varios significados y aquí lo podemos comprobar. Recomendable: es de Sir Alfred.

2.City Lights, de Charles Chaplin (Luces de la ciudad, 1931)
Pocas veces las lágrimas se han mezclado con las carcajadas como en esta obra maestra. El vagabundo más entrañable se da de leches con Hank Mann en un ring de cuarta fila para ganar unos cuartos y ayudar a su vendedora de flores. Lo único que tiene en mente es el rostro angelical de Virginia Cherrill, la cieguita, pero el combate se convierte en una de las dos o tres secuencias más hilarantes de la Historia del Cine.

3.The Champ, de King Vidor (El campeón, 1931)
En ésta la tragedia se sobrepone a la risa, y quien ha visto a Jackie Cooper encajar tan mal la muertede Wallace Beery en el ring no lo va a olvidar. Quizá hay un exceso de sentimentalismo, pero con la garra habitual de Vidor. Obviemos la versión molona de Zeffirelli con Jon Voight, de 1979.
4.Kid Galahad, de Michael Curtiz (Kid Galahad, 1937)
El todoterreno Curtiz dirige con buen ritmo los planes de Edward G. Robinson para que el ingenuo Wayne Morris se haga con todos los títulos posibles. Bette Davis se cuelga del chaval y Robinson lo lamenta.

5.Gentleman Jim, de Raoul Walsh (Gentleman Jim, 1942)
Errol Flynn, joven y atlético todavía, da vida al célebre Jim Corbett en esta imponente biografía. Mención aparte a la inolvidable escena final entre Jim y el derrotado Sullivan (el gran Ward Bond).
El inefable Flynn en la cumbre de su vida

6.The killers, de Robert Siodmak (Forajidos, 1946)
Burt Lancaster en uno de los más espectaculares debuts cinematográficos que se recuerdan, con el primero de sus masoquistas papeles de perdedor. Aquí fracasa en el ring y en todas partes. Ava Gardner le da la puntilla en este clásico del cine negro. Aunque, viéndola, ¿quién no diría lo de "de perdidos al río"?
7.Body and Soul, de Robert Rossen (Cuerpo y alma, 1947)
Una de las más prestigiosas. No es mi favorita, pero bueno. El guión de Abraham Polonsky, perseguido por paranoicos en los 50, es bastante ejemplar, y la vida se sube al ring como pocas veces. James Wong Howe rueda en blanco y negro como nadie. Menudo. Y el malogrado Garfield, actor a redescubrir.

8.Champion, de Mark Robson (El ídolo de barro, 1949)
El espaldarazo definitivo de Kirk Douglas, el ejemplo de otro director contundente salido de la factoría de Val Lewton (Wise también), y una historia de ambición y violencia. Midge Kelly es un boxeador que va a por todas. Douglas está un poco shakespeariano de más y la peli es previsible, pero no te deja indiferente. Robson escenificaría una vez más el drama boxístico en The harder they fall (Más dura será la caída, 1956), la última película de Bogart.

La cámara de Franz Planer busca el primer plano
de un rostro destrozado que mira al público

9. The Quiet Man, de John Ford (El hombre tranquilo, 1952)
Ford ya había tocado temas pugilísticos antes, pero esta es la mejor. Una de las mejores películas que rodó el maetsro. John Wayne es un boxeador que huye de la fatalidad y de sí mismo y regresa a su hogar irlandés en una historia hoy ya universal.

10.From here to eternity, de Fred Zinnemann (De aquí a la etrernidad, 1953)
El 'best seller' de James Jones: la vida castrense en Hawai antes de Pearl Harbor. Monty Clift no quiere boxear y se las hacen pasar canutas. Burt Lancaster retoza con Deborah Kerr en la playa, sí, pero lo que más recuerdo es la relación Maggio (Sinatra)-Prewitt (Clift)-'Fatso' (Borgnine). Y el enfrentamiento continuo de los dos últimos que culmina en un oscuro callejón.

11. On the Waterfront, de Elia Kazan (La ley del silencio, 1954). Terry Malloy es un boxeador sonado, y no puede hacer gran cosa para solucionar la explotación de la masa trabajadora en los muelles de New Yor, New York. Brando en uno de sus mejores papeles. Un poco amanerado, como en su línea, a mi parecer, pero una gran interpretación. 'I could´ve been a contender...!'

12. Rocco e i suoi fratelli, de Luchino Visconti (Rocco y sus hermanos, 1960). La triste crónica de la destrucción de una familia en Milán, por Milán. ¿O es por la pasión sexual de Simoni (Renato Salvatore)? De todas maneras, en el recuerdo permanece el etéreo y espiritual boxeador Rocco (Alain Delon): un santo idealista batiéndose el cobre en el ring.

13. Fat City, de John Huston (Fat City, 1972). Una de las grandes películas de los 70. El joven sólo tiene que observar con atención el rostro de su compañero para verse a sí mismo dentro de unos años. Esto es lo que hace (y deshace) el boxeo, un mundo de perdedores que se ama muy profundamente.

14. Raging Bull, de Martin Scorsese (Toro Salvaje, 1980). Hay momentos violentos sobre la lona, pero las escenas más terroríficas son las rodadas en la cocina o el dormitorio. Ira, frustración, derrota. La vida de Jake La Motta en el blanco y negro de los 80.

15. The boxer, de Jim Sheridan (The boxer, 1997). La tram que incluye al IRA resulta no muy creíble pero es un drama pugilístico de altura, sobre todo gracias al personaje que encarna el a veces extraordinario Daniel Day-Lewis.

ROBIN HOODS ( y XII )

2010-06-18T19:52:00.010+02:00

Y nada, en esta última entrada haré un somero repaso al resto de las adaptaciones cinematográficas y televisivas que se han hecho sobre el señor ese de Sherwood. Son las que no he mencionado con anterioridad, bien porque no las he podido ver todavía, bien porque no me ha cuadrado meterlas. Seguro que me quedan algunas en el tintero, sobre todo muchas de las numerosas versiones mudas; la época silente y maravillosa de principios del siglo XX nos dio cientos de pelis que nunca llegaremos a disfrutar: era tal la fragilidad del soporte utilizado que muchas han desaparecido para siempre.
Robin Hood and his Merry Men: Este film inglés data de 1908, y es la versión más antigua de la que tengo noticia. En 1912 y 1913 los yankis respondieron con dos tituladas Robin Hood.

El cartel de la versión del ´12, de Étienne Arnaud y Herbert Blaché. Fue una coproducción entre USA y UK.

La apostura de un arquero profesional: William Russell en la versión de 1913.

The Prince of Thieves (El rey de los bosques -en España quisieron darle más caché al héroe): Con un título que reutilizaría el Costner en 1991, nos llegó en el año 1948 una entrega barateira de las aventuras de Robin, dirigida por Howard Bretherton. Protagonizada por Jon Hall, aventurero galán de las inefables fantasías árabes con María Montez, poco más que acción modesta nos ofreció esta filmina.

Tales of Robin Hood: En 1951 los atrevidos de la compañía Lippert, especializados en cine de acción y misterio, hecho con cuatro duros (¡normalmente bastante entretenido!) y contando con estrellas de cuarta fila o leyendas en decadencia, se sacaron de la manga una nueva peripecia de Robin. Al parecer, este film quería ser el piloto de una serie que no llegó a fructificar, y contaba con Robert Clarke en el papel del héroe. Whit Bissell y Paul Cavanagh dieron lustre -de serie B- a un reparto de serie Z.

Wolfshead: The Legend of Robin Hood: 1969 o el último asalto al mito sherwoodiano de la compañía Hammer. Originariamente concebido como un piloto para una posible serie, el film no recibió el éxito deseado y la cosa se quedó en una nueva visión del origen de la leyenda. De acuerdo con los tiempos que corrían, los protagonistas son jovencillos, la ambientación y la historia es realista y, por supuesto, el joie de vivre ha desaparecido: estamos ante un drama medieval donde los héroes y sus seres queridos sufren mucho, las peleas son cortas y cansan mucho y hay pobreza y suciedad. John Hough dirigió la película con su estilo impersonal casi siempre, barroco y afectado a veces.

David Warbeck fue Robin Hood en la versión sin glamour de John Hough

Y hablando de series de televisión sobre el personaje, éstas se multiplicaron a lo largo de los 70, 80 90 y más allá:
The Legend of Robin Hood (1975, británica de 6 episodios)
Robin of Sherwood (1984, británica de 24 episodios)
The New Adventures of Robin Hood (1997, franco-americana de 52 episodios)
Robin Hood (2006, británica, de la BBC, con 39 episodios)
El Robin Hood 'brit-pop' de la BBC. Más falsito que un duro de cartón.

¿Y qué más contar? Pues que hay tanto Robin Hood en cine y TV que no se puede analizar en su totalidad. Hay Robin Hoods balcánicos, orientales, sudamericanos, manga, de animación cotrosa y, por supuesto, el clasiquillo de Walt Disney...

Robin Hood metamorfoseado en el zorro de Disney (1973)

Hay Robin Hoods musicales, los hay porno, desde luego que también parodias...

El humor zafio de Mel Brooks una vez más en 'Robin Hood: Men in Tights' (1993)
(aunque el cartel tiene su coña)

Es innegable que toda la imaginería de Sherwood, todas las leyendas de este héroe medieval mítico e inmortal, los valores y las emociones que transmite, han sido llevados a la pantalla por doquier. Ridley Scott no será el último en hacerlo, eso es seguro. Como seguro es que el mejor Robin Hood de la ficción me servirá para poner un broche de oro a mi repasillo historiográfico.

¡Nadie tensó el arco así!

ROBIN HOODS ( XI )

2010-06-15T16:30:00.004+02:00

13. Robin Hood (2010, de Ridley Scott).

Y el héroe del carcaj apareció en la gran pantalla de nuevo. El film es un producto de encargo, descaradamente (Scott está más preocupado por el berenjenal en el que se metió al interesarse por la precuela de Alien), y no aspira más que a entretener. Lo consigue a medias; es decir, en la primera mitad. Luego se cae con todo el equipo antes del clímax.

En la parte que entretiene, ¿qué es lo bueno?, diréis algunos. Bueno, una ambientación y un ritmo chulillo, que Scott lleva a cabo con la gorra, acostumbrado como está a la acción épica del cine moderno, luego de sus incursiones tipo Gladiator (2000) y Kingdom of Heaven (El reino de los cielos, 2005).

Russell Crowe carga un poco, aunque no demasiado, Max Von Sydow sigue en los 65 años que cumplió hace veinte, Cate Blanchett tiene carácter y poco más, Mark Strong no se pone un casco ni en medio de una batalla campal, hasta ese punto le mola lucir su calva, flashbacks y ralentís varios jodiendo la marrana... Un salteado de situaciones anacrónicas y un poco tontas, coronadas por la descabellada participación en la salsa de tortas final de lady Marian, con armadura y yelmo. Las feministas de la Aído y progres varios aplaudieron ante tamaña imbecilidad.

Robin Hood es un prólogo a la leyenda del héroe, pero no me he quedado con muchas ganas de ver de qué va la leyenda, luego de asistir a unos preliminares bastante chuscos, a la mayor gloria del productor Crowe, cambiando de acento a la vez que lo hace el plano.

Curiosidad: La curiosidad de haberla ido a ver, ya que no me creo nada de lo que hace Scott cuando nos cuenta algo de tiempos muy pretéritos (exceptuemos The Duellists -Los duelistas, 1977, su mejor película).

(Finaliza en la próxima entrada)

ROBIN HOODS ( X )

2010-06-10T18:50:00.005+02:00

11. Robin Hood, príncipe de los ladrones - Robin Hood, Prince of Thieves (1991, de Kevin Reynolds)

Ésta fue un éxito, y puso de moda otra vez a Robin después de más de una década de secano dentro de la producción de cine de aventuras "clásico". El film del amiguete de Kevin Costner es bastante insoportable; arrastra lo peor del cine americano de los 80 (anacronía en el comportamiento y apariencia de los personajes, música pop empalagosa y normalmente insufrible en la banda sonora, tramas chirriantes y disparatadas, buscando ese toque "original"...), conformándose por todo ello en un perfecto vehículo para una de las mayores estrellas de hace 20 y pico años.

El execrable Bryan Adams y su baladita Everything I Do (I Do It For You)

Alan Rickman en una horrible y exagerada encarnación del Sheriff de Nottingham

Morgan Freeman haciendo el tonto: un negro en la Inglaterra del siglo XII

Todo eso, junto con la invención de las flechas supersónicas y las escenas voyeurísticas del Costner en bolas, da como resultado una película bastante chabacana pero difícilmente olvidable por el éxito que cosechó.
Curiosidad: Sin ser nada del otro mundo, bastante superior fue el telefilme (que las inteligentes distribuidoras comercializaron en los cines, aprovechando el boom creado por la tontería de Costner) dirigido por John Irvin aquel mismo año: (12) Robin Hood, con Patrick Bergin y Uma Thurman como la pareja protagonista, y Jürgen Prochnov en el papel de villano (Sir Miles Folcanet -¿de dónde se sacaron a ése?). La peli culminaba con un duelo apropiadamente realista, y aunque en general era un poco sosa, por lo menos no iba en plan guay como su coetánea.

(Continuará)

Robin Hood vs. Sheriff de Nottingham - El duelo definitivo

2010-06-08T22:28:00.003+02:00

El duelo de Robin y Marian: Los dos archienemigos se ven las caras por última vez. La necesidad de ajustar cuentas pendientes está por encima del respeto que parecen tenerse a su edad. Un duelo melancólico en el que no hay ya villano.

ROBIN HOODS (IX)

2010-06-08T21:52:00.006+02:00

10. Robin y Marian - Robin and Marian (1976, de Richard Lester)

Vamos a ver, no es quizá la obra maestra que muchos proclaman, pero está muy bien. Y contiene momentos realmente inspirados. La historia es ya bien conocida: los últimos días de Robin Hood. El ocaso de la leyenda. Los héroes están cansados, aunque sieguen siendo héroes. En este cuento agridulce, melancólico, donde la aventura está en un segundo plano, el sentimiento es el protagonista. Richard Lester, en ésta, su mejor película, utiliza a uno de los héroes más legendarios para hacer una reflexión sobre la vida, dejando claro que al final es la amistad y, sobre todo, el amor lo que dota de sentido a nuestra existencia. El amor no vivido se intenta respirar a bocanadas.
Robin y Marian. Y todos los demás, por supuesto, compartiendo los similares escenarios y sentimientos de antaño. Pero de mayores.
Sean Connery y Audrey Hepburn componen una extraordinaria pareja y comparten los mejores momentos del filme, que decae, o pierde empaque, adquiriendo casi un tono paródico -muy Lester-, en los momentos de acción. Pobres señores, ya no tienen edad para andar por ahí asaltando fortines o batiéndose en duelo.
El final, por supuesto, es antológico: la flecha lanzada por el moribundo héroe marcará el lugar de su lecho eterno, que compartirá con Marian, la monja que amó a alguien más que a Dios.
Curiosidad: Richard Lester formó parte de la renovación del cine de aventuras clásico en los años 70, introduciendo héroes más cínicos, humor lindante con el "slapstick" y ambiente y acción más realista. Así, realizó su trilogía de "Los tres mosqueteros" con The three musketeers, The four musketeers (en 1973 y 1974, respectivamente) y The return of the musketeers (1989), y con Royal Flash (El cobarde heroico, 1975), basada en la novela del magnífico George McDonald Fraser, que narra una de las aventuras del inefable Harry Flashman.
(Continuará)

ROBIN HOODS ( VIII )

2010-06-07T23:29:00.006+02:00

9. Un desafío para Robin Hood - A Challenge for Robin Hood (1967, de C.M. Pennington-Richards)

Y seguimos a vueltas mareando la perdiz. Nuevas versiones innovadoras del mito. ¡Eh! Y no es que me queje... Siempre que el producto sea digno y entretenido... Esta vez, Robin Hood es Robin de Courtenay, un noble ¡normando! que se rebela contra los suyos, acusado de un crimen que no cometió. Reúne a una banda de proscritos para que le ayuden a limpiar su nombre y recobrar las posesiones que le pertenecen. ¿? Los rebeldes ayudando a un normando a reclamar lo que, por ley natural, no debería ser suyo. Raro. Pero, si nos olvidamos de "lo que debería ser", la nueva incursión de la Hammer en la leyenda de Sherwood no es una mala adición al ciclo; es entretenida y con un suspense más que razonable por momentos.
Quizá el problema surja un poco del reparto, poblado de actores ingleses poco conocidos o carismáticos, que impiden una pronta química con el público. Exceptuaremos a James Hayter (Fray Tuck) y Barrie Ingham, en el papel de Robin, que sin embargo lo tiene difícil para emular a anteriores galanes aventureros del cine, debido a su dudable apostura. De todas maneras, él y sus partenaires terminan siendo más o menos efectivos en esta aventura medieval, que contiene suficiente acción y atmósfera como para satisfacer a los amantes de la aventura clásica que no quieran ser exigentes con un producto modesto y simpático.
Curiosidad: Barrie Ingham, que dedicó la mayor parte de su carrera a la TV, resultó mucho más efectivo en el papel del Dr Thorndyke, el fantástico detective creado por R. Austin Freeman, claramente inspirado por Sherlock Holmes. Su erguida figura, rostro de atractivo particular, con prominente nariz et al, funcionó mejor encarnando al investigador en un episodio de la maravillosa serie "The Rivals of Sherlock Holmes", de principios de los 70.

Barrie Ingham como el Dr Thorndyke, casi un sosias de Holmes
(Continuará)

Trailer de "Sword of Sherwood Forest"

2010-06-07T23:26:00.002+02:00

En el trailer podemos ver a Cushing blandiendo la espada, transmitiendo su energía habitual.

ROBIN HOODS ( VII )

2010-06-06T15:37:00.014+02:00

7. La espada del bosque de Sherwood - Sword of Sherwood Forest (1960, de Terence Fisher)

El más talentoso realizador de la Hammer y una de las figuras más interesenates del cine británico de los años 50 y 60, Terence Fisher, se lanzó a hacer cine de aventuras. La productora inglesa, una vez encontrado el filón con su par ticular visión de los clásicos del terror, se internó en géneros diferentes, como el bélico o el épico. En plan barato, como era su norma, pero alcanzando productos más que dignos en ocasiones. Ya en 1954 el efectivo Val Guest había hecho para la Hammer (8) Men of Sherwood Forest -Los hombres del bosque de Sherwood-, producto más modesto aún, con el americano Don Taylor. Sorprendentemente, este nos regala con un Robin Hood buenísimo, casi un clon de Errol Flynn -si no lo pasas por el escáner-, y la película tiene una historia chula. Los villanos están muy bien, además; especialmente Douglas Wilmer -futuro Sherlock Holmes de la BBC-, en un magnífico remedo del Basil Rathbone villano. El ajustado presupuesto del producto quizá deja en entredicho el a priori estupendo climax de la trama -el salvamento del rey Ricardo, que va a ser asesinado en una emboscada-, pues la batalla es de miniatura, y el gran villano de Wilmer escapa sin recibir su justo castigo. Este es el recordatorio gráfico de la película:

Volviendo a The Sword of Sherwood Forest, decir que sin ser de lo mejor de Fisher, por supuesto, tiene a su favor tres aspectos:
1-Una trama cruce de espionaje e intriga, donde Robin Hood se ve inmerso en una conspiración en la que participa el sheriff de Nottingham, quien planea eliminar al arzobispo de Canterbury y así tener vía libre para confiscar lares varios.
2-Un tono semigótico-sacrílego inédito en los filmes de Robin Hood, en la emboscada y pelea final en el convento, con el añadido de incluir a la madre superior como uno de los traicioneros villanos de la trama.
3-Y sobre todo, en su línea, engrandeciendo todo en lo que aparece, la participación de uno de mis actores favoritos: el gran Peter Cushing como el malvado sheriff, dotando al papel de tebeo de una profundidad no esperada. La película se ve truncada en gran medida cuando un juvenil Oliver Reed lo asesina a traición a cuchilladas. Otra de las muertes antológicas de ese actor inimitable.
Para terminar, señalar que el arco de Robin Hood es blandido por Richard Greene, un actor mediocre y nada carismático, especializado en papeles de galán romántico y de aventuras, que tuvo la suerte de trabajar en los inicios de su carrera con John Ford. El actor produjo también el film, con la intención clara de continuar relanzando su pronto moribunda carrera, utilizando el personaje de Robin. Éste le había hecho una miniestrella entre 1955 y 1960 en una serie de TV.

Richard Greene, un galán algo papón

Curiosidad: El personaje de Lady Marion en este caso es uno de los más ilógicos que te puedes echar a la cara: el guionista, Alan Hackney (su apellido habla por sí mismo: en inglés, el adjetivo hackneyed significa "trillado, sin frescura ni originalidad"), metió con calzador un personaje tonto que aparece en cualquier lado y a cualquier hora, acompañado del menos esperado, sin explicación alguna y sin recibir el espectador ninguna información de su entorno, origen o personalidad. Sólo nos queda clara una cosa, que Marion va a acabar llevándose al huerto a Robin, por mucho que la química entre Greene y Sarah Branch sea menor que la que puede haber entre Marilyn Monroe y Cantinflas.
(Continuará)

ROBIN HOODS ( VI )

2010-06-05T12:54:00.009+02:00

6. El hijo de Robin Hood - The Son of Robin Hood (1958, de George Sherman).

Pues parece que a George Sherman le atraía el tema de la descendencia de Robin Hood (véase The Bandit of Sherwood Forest), ya que se fue a Inglaterra en el '58 para realizar una nueva versión de la archiconocida aventura.
Robin Hood ha pasado a mejor vida y un malvado noble normando, Simon des Roches (David Farrar, actor inglés de bastante empaque) puede campar a sus anchas por olde England si la antigua banda del fallecido héroe no lo impide. Un liderazgo es necesario, y para eso está el vástago del legendario arquero. ¿Eh? Pero, ¡si es...! ¡No puede ser!
En un "alarde" de imaginación, los guionistas se sacaron de la manga a la hija de Robin Hood, creando una sorpresa algo chusca dado el título del filme. Pero claro, lo rompedor acaba aquí, porque Deering Hood (la sosa June Laverick), aunque pueda repartir aquí y allí unos castañazos, no tiene lo que hay que tener para detener a de Roches. Y para eso está el aguerrido aventurero Jamie, que recién llegado de las Cruzadas (el insípido yanki Al Hedison), aparece para salvar el día, posa como el auténtico hijo de Robin Hood (para alentar a las masas había que ser un hombre) y termina llevando la historia a buen puerto. Pero el happy ending llega después de, en general, una trama aburrida y poco creíble.
Lo que se puede salvar de la cinta es la aparición de actores ingleses de cierto renombre, como el mencionado Farrar, Marius Goring o George Coulouris, así como el largo duelo final entre Jamie y de Roches. Es una pelea larga y variada, tanto por los diferentes escenarios como por el repertorio de armas que se usan. De todas formas, está rodada de una forma poco enérgica y estilosa y hay momentos en los que se hace redundante.
Curiosidad: David 'Al' Hedison había perdido la cabeza -literalmente- ese mismo año en el clásico de la sci-fi The Fly (La Mosca). Hedison nunca hizo carrera en el cine, y el resto de su vida se lo pasó prácticamente en la televisión, donde se ganó el pan.
(Continuará)

ROBIN HOODS ( V )

2010-06-02T20:16:00.005+02:00

5. Los arqueros del rey - The story of Robin Hood and his merrie men (1952, de Ken Annakin)

Ken Annakin, normalmente un realizador inofensivo, sin demasiado interés, un British que casi siempre trabajó por encargo en la industria cinematográfica de su país, llevó a cabo otra visión de la leyenda de Robin Hood. La estrella en este caso fue Richard Todd, actor inglés de razonable carisma, quien por aquel entonces se encontraba en su periplo americano poco después de haber trabajado a las órdenes de Mr Alfred en Stage Fright (Pánico en la Escena, 1950). Buen actor, Todd no contaba sin embargo con el ya acostumbrado joie de vivre a la hora de encarnar al héroe. En este aspecto, su interpretación está en una onda opuesta a los anteriores Fairbanks, Flynn, Wilde o Derek: Todd era inglés. Como Robin Hood. Hollywood dice lo contrario y, por supuesto, creemos a Hollywood.
La ya muy conocida leyenda se pasó por el filtro suavizador de la compañía de Walt Disney, dentro de su línea con actores de carne y hueso, y el resultado es un film amable y poco apasionado, del que se puede destacar la presencia de gente como Peter Finch o James Robertson Justice, o el especial cuidado a la hora de retratar la Inglaterra medieval y su olde English para aquellos espectadores lúcidos, interesados en la versión original a la hora de ver pelis.
Curiosidad: Walt Disney volvió a confiar en la apostura un tanto hierática de Todd y éste encarnó a otros dos héroes de la historia de Inglaterra: al highlander más famoso en Rob Roy, the Highland Rogue (Rob Roy, el gran rebelde, 1953), de Harold French, y a Charles Brandon, aguerrido luchador de la causa de la princesa Mary (Tudor) en The Sword and the Rose (La espada y la rosa, 1953), también de Annakin.
(Continuará)

ROBIN HOODS ( IV )

2010-06-01T17:14:00.003+02:00

4. El Temible Robin Hood - Rogues of Sherwood Forest (1950, de Gordon Douglas).

Seguimos con más peripecias del supuesto hijo de Robin Hood. Esta vez el vástago del arquero de Sherwood aparece con el rostro de John Derek, otro galán aventurero de la Columbia que consiguió hacerse un hueco dentro del cine espectacular de serie B, aunque siempre será recordado por sus papeles secundarios en clásicos como Knock on any door (Llamad a cualquier puerta, 1949, de Nicholas Ray) o The Ten Commandments (Los Diez Mandamientos, 1956, de Cecil B. de Mille). Los productores vieron en Derek un posible sustituto de Errol Flynn, debido a su galanura juvenil y al relativo parecido físico, y eficientes artesanos como Gordon Douglas (quien tiene en su haber algunas obras maestras de diferentes géneros, como Them! -La humanidad en peligro, de 1954- dentro de la ciencia-ficción) se lanzaron a contar historias épicas en la tradición más humilde de finales de los 40 y principios de los 50.
Esta aventura de Robin Hood no difiere demasiado de la anterior, con Robin rehaciendo la banda de su padre para enfrentarse al malvado rey Juan y sus secuaces. El film es entretenido pero demasiado modesto como para resultar imprescindible. De todas formas, John Derek resulta muy efectivo, haciendo gala de una estupenda forma física y enfrentándose al Conde de Flanders (Lowell Gilmore) en un curioso duelo final en el bosque de Sherwood, eliminándose así la tradicional emboscada en el castillo de los villanos, que culmina la mayoría de las aventuras de Robin Hood.
Curiosidad: John Derek se retiraría del cine en su faceta de actor a mediados de los años 60, para luego dirigir un puñado de bodrios (obviaré los títulos que muchos hombres de mi generación ya conocerán, y que secretamente habrán visionado en los 80) a la mayor gloria de una de sus explosivas mujeres, Bo Derek. Pero bueno, la visita al altar que le envidio fue aquella en compañía de Ursula Andress.
(Continuará)

ROBIN HOODS (III)

2010-05-31T12:05:00.005+02:00

3. El Hijo de Robín de los Bosques - The Bandit of Sherwood Forest (1946, de Henry Levin y George Sherman)

Dos correctos todoterrenos, Levin y Sherman, se encargaron de este entretenido vehículo para lanzar a Cornel Wilde como la nueva estrella del cine de aventuras de la Columbia. En el título español se revela la sorpresa: Robin Hood ha tenido descendencia, y de tal palo tal astilla, además. El nuevo héroe, con todas las virtudes de su padre, encabeza una rebelión contra los nuevos tiranos. El problema aquí es el escenario redundante de las persecuciones a caballo y escaramuzas en el bosque, que se puede hacer un tanto cansino para aquellos que no adoren la fantasía histórica made in Hollywood o el western. De hecho, por momentos, si obviamos los coloridos leotardos y las plumas en los sombreros, parece que nos encontremos ante una de vaqueros; sobre todo cuando identificamos a habituales secundarios del género como Lloyd Corrigan o Ray Teal, participando en diálogos extraídos de un saloon de Dodge City. Incluso George Sherman se hizo un lugar en la historia del western de serie B en su momento.
Pero la película es entretenida, Cornel Wilde siempre resultó simpático, y contiene un excelente duelo entre el protagonista y el villano Henry Daniell (y el especialista que lo dobló), que pone un adecuado broche final.
Curiosidad: Cornel Wilde fue un gran esgrimista en la vida real. De hecho, formaba parte del equipo olímpico cuando decidió lanzarse a su carrera cinematográfica a mediados de los 30.
(Continuará)

ROBIN HOODS ( I I )

2010-05-27T23:23:00.007+02:00

2. Robín de los Bosques - The Adventures of Robin Hood (1938, de Michael Curtiz y William Keighley).
Al parecer, Curtiz se encargó de los interiores, mientras que Keighley llevó la cámara afuera. El caso es que, fuese como fuese, quizá sea esta la obra maestra del cine de aventuras. Raoul Walsh o Fritz Lang, Henry King o Zoltan Korda, nos pueden hipnotizar en cualquier momento con sus inimitables piezas trepidantes, pero lo que es cierto es que pocas, quizá ninguna, capturan el espíritu y nos llenan de optimismo como la que protagonizó el inefable Flynn. Nacido en Tasmania, quizá dio nombre al "diablo" de esa tierra, pues sus dotes innatas para encandilar quedan bien patentes en esta cinta inmortal.
El Technicolor de los años 30, el inimitable reparto, la trepidante narración, el emocionante duelo entre Flynn y Basil Rathbone... ¿Qué más se puede pedir? El mayor imposible sería que otro milagro en celuloide así se pudiese repetir.
Curiosidad: Olivia de Havilland compartió cartel con Flynn en 8 ocasiones. Casi siempre cayó a sus pies...en el cine, pues en la vida real la actriz no cedió ante los asedios del mayor ladykiller de la época.
(Continuará)

The Adventures of Robin Hood (1938)

2010-05-27T23:20:00.003+02:00

El trailer de, quizá, la película más mítica del cine de aventuras.

ROBIN HOODS ( I )

2010-05-26T10:16:00.004+02:00

Aquí estoy yo por sorpresa de nuevo. Como hace poco se estrenó la última incursión medio chapucera de Ridley Scott y el Crowe en el cine de aventuras, tengo una excusa para echarle un vistazo a las historias que sobre la leyenda de Robin Hood nos ha ofrecido el cine. ¡Cuidado al adentrarse en el bosque de Sherwood! Vigilad las copas de los árboles...

1.Robin Hood (1922), de Allan Dwan.
A estas alturas del cine mudo ya se habían realizado varias adaptaciones de la leyenda del arquero sajón, pero ésta, con Douglas Fairbanks, máxima estrella del cine de aventuras de la época e inventor del swashbuckler cinematográfico, es quizá la primera obra maestra del género. Se beneficia de un director talentoso provisto de esa magia que se conoce como sentido del ritmo. Dwan seguiría haciendo cine hasta 1960 ó 61, manteniendo un estilo como primitivo, directo y sin amaneramientos, cosa que hace que hoy sus obras de la década de los 50 sean tan frescas o más que entonces.
Este Robin Hood es gran entretenimiento, una de las superproducciones de la época. Los sets son increíbles, así como las escenas espectaculares y de acción. Y todos están ahí: Juan Sin Tierra, el sheriff de Nottingham, Sir Guy de Gisbourne, Lady Marian, Ricardo the Lion-Hearted...
Curiosidad: La primera parte de la película tiene lugar en Tierra Santa, durante la III Cruzada. Robin (Huntingdon) Hood forma parte del ejército. Tendrían que pasar 69 años para que los dos Kevins (Reynolds y Costner) contasen de nuevo las peripecias del héroe fuera de las Islas Británicas.
(Continuará)

Robin Hood (1922)

2010-05-26T10:04:00.003+02:00

La muerte violenta del malvado Guy de Gisbourne. Robin Hood no se andaba con medias tintas.

Die toten Augen von London (Los ojos muertos de Londres,1961)

2010-02-03T21:40:00.001+01:00

Está en Deutsch, pero da igual, se pilla la cosa. ¡Trailer de Krimi!

Hallo, hier spricht Edgar Wallace!

2010-02-02T20:07:00.007+01:00

Últimamente me he adentrado en el sinuoso mundo del "Krimi" (tranquis, hablamos de esta cosa rara en un momento), a raíz de la lectura de The terrible people, creación del genio de Edgar Wallace. Para los que no conozcan al autor inglés, La gente terrible es una muestra de su talento inigualable para pergeñar emocionantes tramas enrevesadas, hábilmente explicadas al final, a la vez que sirve de punto de partida para adentrarse en ese mundo lleno de asociaciones criminales secretas, casi invisibles, de estrambóticos y terroríficos "serial killers" (es Wallace el primer autor en la historia que lleva a primera línea el personaje del asesino en serie) y de increíbles climaxes o "cliffhangers".

Edgar Wallace escribió como un poseso, su imaginación le hacía llenar hojas a propulsión de chorro: 175 novelas, bastantes obras de teatro e incontables trabajos periodísticos. Es el autor de este planeta de cuyas obras se han hecho más adaptaciones cinematográficas: más de 160. Su popularidad fue muy grande en vida (murió en 1932 a los 57 años de una manera bastante inesperada, poco después de haber escrito el relato sobre el que se construiría una de las obras maestras del cine: "King Kong"), pero en general fue menguando a lo largo del siglo XX (paradójicamente, los filmes basados en sus novelas, muy cinematográficas, claro, fueron durante años generalmente malos, cutres, de serie Z, haciendo poca justicia a su origen).

Creo que la razón de que se le preste hoy poca atención a su obra (entre el gran público, por supuesto; existen muchos fans y fascinadas asociaciones de seguidores de su obra), contrariamente a lo que sucede con Agatha Christie o Conan Doyle, por ejemplo, es el hecho de que Wallace nos dio innumerables tramas de suspense e inteligencia maquiavélica inigualable (creo que inigualable, leedlo si no me creéis, y más hoy, en un mundo editorial inmerso en una avalancha de novelas de misterio y crimen, suecas y de otros sitios), pero no consiguió crear un personaje especial que calase en el lector, a la manera de Sherlock Holmes o Poirot. La obra de Wallace está llena de héroes casi anónimos; la historia, la trama que avanza por vericuetos inverosímiles, lo empapa todo, no hay sitio para que una personalidad singular desvíe la atención. Aunque, ¡por supuesto! hay personajes geniales en sus páginas.

Ediciones españolas "vintage". Nada que objetar al primer ejemplo. Véase, sin embargo, la descarada, ingenua casi, popularización castiza del segundo ejemplar con la traducción del título original Jack O´Judgement.

Wallace también se apuntó al género colonial, sin ánimo de laurear un género y una filosofía aventurera pronto perecedera. También salió cine de sus novelas africanas.

Una de las aventuras de la serie de los "just men". The Four Just Men fue la primera novela de misterio que publicó, en 1905.

BIEN.

Hasta aquí la presentación del señor Wallace, dedicada especialmente para los que no lo conocían. Y de entre todo lo anterior, desearía retomar dos cositas, que son las que me llevaron a confeccionar el texto éste. La primera hará que enlace con la segunda. He dicho que la popularidad de Edgar Wallace se fue difuminando en el espacio-tiempo hasta los diferentes grados de desconocimiento acerca de su obra en los diferentes países. Sin embargo, una nación sigue siendo tan acérrima, o más a esta obra especial, como hace un siglo. En Alemania, Wallace sigue siendo un escritor de cabecera, de mesilla de noche y de sofá de media tarde. Sus fans se cuentan por miles, y gran parte de la continua revitalización de su obra se debe también a los "Krimis"de los años 60. Y con este concepto iniciaba yo hace un rato mis reflexiones.

El enigma rojo (Der Mönch mit der Peitsche), "Krimi" de la última época, en colorines.

El "Krimi" es un (sub)género cinematográfico germánico. Engloba un buen número de filmes negros, de misterio, de crimen, con características comunes. Entre éstas se encuentran, por ejemplo, facetas heredadas del expresionismo, dosis de violencia bizarra, misterio con toques de comedia (el principal defecto de estilo del género) y, claro, adaptaciones de o inspiración en novelas de Wallace. El término se acuña a partir de "Kriminalfilm" o de "Kriminalroman", y toda esta serie de filmes arrasaron en su época, quedando hoy en día como el mejor legado cinematográfico de la obra de Wallace. Entre 1959 y 1972 se realizaron más de 30 "Krimis" de Wallace, con calidad variable y descendente a medida que la década avanzaba. Aunque la obra de Wallace no fue la única protagonista de los "Krimis": las novelas del hijo del autor londinense, de nombre Bryan Edgar Wallace, también encontraron numerosas adaptaciones, tal era el éxito del corpus de su padre. Además, del genio de Fritz Lang partió, desde 1963 aproximadamente, la ya mediocre serie de filmes de la serie del Dr Mabuse. De todas formas, el "Krimi" por antonomasia es aquel que surge de obras como The Daffodil Mystery, The Crimson Circle, The Green Archer o The Counterfeiter. Wallace inventó y, casi siempre, Harald Reinl y Alfred Vohrer, dos efectivos directores, realizaron los filmes.

La puesta en escena de los filmes gozaba de una cuidada ambientación y atmósfera apropiada, y así como el equipo técnico no variaba mucho de film a film, tampoco el elenco artístico se alteraba demasiado: Joachim Fuchsberger (un galán de la época, a medio camino entre Cary Grant y Roger Moore) solía ser el intrépido protagonista, cuando no lo era Heinz Drache, personalidad menos vitalista, más sosaina que Fuchsberger. Un jovencillo Klaus Kinski solía ser, ¿qué os imáginábais?, un medio psicópata sin suerte de segunda fila, y el a menudo inaguantable Eddi Arent hacía las veces de bufoncillo para aligerar la trama un poco (el craso error del que ya hablé: sin este tipo en escena, las películas hubiesen ganado bastante). Entre las chicas, la atractiva Karin Dor era con frecuencia la damisela en peligro (Hitchcock la utilizaría -como hacía con sus actrices- para crear una escena de violencia magistral en Topaz).

En definitiva, buen suspense, misterios sórdidos llenos de violencia nada políticamente correcta, aderezado todo con seriedad germánica, la justa, y humor un poco estrafalario, a veces un poco de más y tramas con el sello Wallace. Resultado: el "Krimi" más clásico. Es adictivo para los amantes del género, chicos y chicas.
¡Ah! El título de esta entrada es la frase salida de las penumbras que iniciaba casi todos los "Krimis": "¡Les habla Edgar Wallace!"

Shane, come back!

2010-01-26T18:11:00.001+01:00

El final.

A MAN ALONE

2010-01-26T16:54:00.006+01:00

Cojo el título de un curioso film dirigido por el gran Ray Milland, y lo uso para hablar un rato de una obra maestra de George Stevens, uno de los cuatro o cinco mejores westerns de la historia:

Me ha pasado hace poco otra vez. Te sientas delante de la tele y no puedes quitar los ojos de las imágenes que tienes ante tí. Y si lo que estabas haciendo o ibas a hacer no era vital (hay prioridades en la vida, claro), lo pospones. Sí, ya has visto muchas veces ese duelo final en el saloon en la penumbra del amanecer; aunque no te acordabas, ya has sentido esos escalofríos inexplicables, que te indican que te hayas ante algo único, al ver a Joey y a su perrillo correr tras Shane aquella mañana, con la música de Victor Young dándole la puntilla a tu corazón; ya has escuchado cien veces, en directo con el visionado de la película, o a través de múltiples comentarios o recuerdos, el grito final, "¡Shane!", repetido por el eco del gran valle, en uno de los grandes finales del Cine. Sí, ya has pasado por todo eso. Pero si la película de George Stevens no envejece nunca, si cada vez que te coincide estar ante ella parece como si fuese la primera vez, si cada personaje te dice algo nuevo, si descubres matices y cosas inesperadas en cada visionado, si pasa todo eso, es que estamos ante algo serio.

Podríais pensar que es un problema mío, y hasta yo podría cuestionármelo. No creáis que me iba a preocupar si así fuese, pero no, últimamente he estado leyendo sobre el film, Alan Ladd, George Stevens, y parece que no soy el único con el alma enraizada profundamente en esta maravillosa historia de amistad, amor, política, ambición y soledad.

Shane llega a la propiedad de Starrett. Joey ve a su héroe por primera vez.

En 1953 un todoterreno de Hollywood pero de élite, responsable de importantes producciones, George Stevens, decide adaptar la novela de Jack Schaefer, y la hace eterna. Dejémonos de hablar de clichés y de esto ya lo he visto, porque no es verdad. Este western rompe moldes en su época, dejando atrás la supuesta revolución de finales de los años 40 en la que las pelis de vaqueros se hacen adultas, con la moda de la nueva psicología de los personajes, etc. Para los filmes menos interesantes el término "psicología de los personajes" significaba "presentación de personajes psicóticos o tarados". Nada tan superficial. Para Stevens, como para Ford, el bien y el mal no existen; lo que hay es gente que se equivoca y suelen pagarlo unos y/u otros. Eso sí, de vez en cuando está bien dejar caer una figura demoníaca, no humana, para acentuar lo dicho. Así, Jack Wilson (Walter Jack Palance -a continuación dejaría el "Walter" a un lado):

Devil in a black suit

Hay muchas cosas en Shane. Amistad entre hombres (Ladd y el inolvidable Van Heflin), y entre hombre y niño (increíble el papel del chavalín Brandon de Wilde), amor no realizado entre hombre y mujer (Jean Arthur se retiró del cine a continuación, era lista y sabía que no iba a encontrar mejor colofón a su carrera); el retrato de la construcción del oeste, gracias en gran parte a la ambición de los supuestos villanos, los Ryker, que también llegamos a comprender; el orgullo mal entendido del hombre frustrado (inolvidable "Torrey" bajo los rasgos del fantástico Elisha Cook, Jr); el éxito de las empresas destinadas a fracasar pero salvadas por una mezcla de carambola del destino y tozudez sin par.

La familia Starrett. Shane sabe que está de paso, y le duele.

Y, por supuesto, un hombre solitario del que no sabemos nada, prácticamente, arrepentido, seguramente, de lo que ha hecho con su vida. Y que afronta, en ese plano final por el que desaparece, en el que llegó al inicio del filme (Ford haría algo parecido en "The Searchers") sus últimos momentos de vida.
Y Alan Ladd, un actor olvidado hoy, humilde y efectivo siempre, con una gran voz, sólido. Poniendo a prueba la frase de Pítaco, uno de los Siete Sabios de Grecia: "la valía de un hombre se demuestra al ver lo que hace cuando tiene el poder".
Podría hablar también de los diálogos, del duelo final, de más cosas. Pero para qué hacerme el original si poniendo el final siempre quedas bien. Ahí arriba lo tenéis. ¡Hasta siempre, Shane!

"Till the clouds roll by" (1946), de R.Whorf (y V.Minnelli y G.Sidney)

2009-11-04T18:23:00.001+01:00

El mejor cantante del siglo pasado para muchos demostrando su versatilidad juvenil en esta versión de "Ol´ Man River".

"Guys and Dolls" (1955), de J.L.Mankievicz

2009-11-04T18:12:00.001+01:00

¡Sí, sí, es Marlon Brando en "Ellos y Ellas", echándole un par y cantando! Le ruega a la suerte que se porte bien y haga que funcionen los dados. "Luck be a lady", un gran standard de Frank Loesser que Sinatra (que también aparece en la peli) convirtió en inmortal.

GROOVY MOMENTS

2009-11-04T18:00:00.002+01:00

Como veis, estoy introduciendo la lista de musicales con unos cuantos clips para ir haciendo boca. Estoy eligiendo momentos magníficos del cine musical que no todo el mundo recuerda. Un par de ellos más antes de ir al grano.

"Siete novias para siete hermanos" (1954, de Stanley Donen)

2009-11-04T17:55:00.001+01:00

Matt Mattox, un bailarín nato, no lo hacía mal con la voz. De todas formas, en "Seven brides for seven brothers" fue doblado por Bill Lee. En el video que podéis ver aquí, tenemos una versión especial, en la que canta el actor. La canción "Lonesome polecat" es genial, y el baile no lo es menos.

El famoso baile de "Bésame, Kate" (1955, de George Sidney)

2009-11-04T17:44:00.001+01:00

"Kiss me Kate" es un musical a recordar, entre otras cosas por este insinuante y enérgico baile con la malograda Carol Haney y el por entonces desconocido Bob Fosse. Este gran bailarín y coreógrafo demostraría más talentos con los años. Todo el mundo conoce su obra maestra "Cabaret".

Gene Kelly en "Siempre hace buen tiempo" (1955, de Kelly y S.Donen)

2009-11-04T17:36:00.001+01:00

"It´s always fair weather" contiene este increíble número del impresionante Kelly, con la fantástica canción "I like myself". Tiene subtítulos en française, mon dieu.

BODAS REALES, de Stanley Donen (Royal Wedding, 1951)

2009-11-02T16:54:00.001+01:00

¡Un aperitivo musical! ¡Fred Astaire tan enamorado que se sube por las paredes! Inimitable

EL CINE MUSICAaaaAAAL!!

2009-11-02T16:43:00.001+01:00

Hoy recupero una reflexión pedante que tenía apartada desde hace tiempo entre mis borradores y que me puede servir como introducción a mi próxima lista de pelis favoritas:

Las películas musicales

Existen ciertos tipos de cine que, o se les adora, o son denostados abiertamente, con descaro, en apreciaciones totalmente superficiales y llenas de prejuicios. En estos casos, ese grupo de gente errada no recae en la función narrativa del cine, arte complejo que puede servirse de los más variopintos utensilios estilísticos para contar una historia. Existe un gran bloque popular en contra del "western", por ejemplo, que califica burlonamente al glorioso género como "de indios" o "de tiros", y que, incomprensiblemente, parece sufrir de varias alergias absurdas: ictericia ante la visión de varios caballos a galope por el desierto de Mojave, escozor ante un pianista que toca impávido mientras a sus espaldas cincuenta rudos hombres se parten la jeta entre las mesas y cristales rotos de un "saloon", o estornudos varios por un duelo al amanecer en la calle mayor.

Un paisaje fordiano

Bueno, allá ellos. Lo que se pierden (nada menos que todo un universo cinematográfico repleto de historias asombrosas: pasiones y dramas, aventuras y suspense, reflejo social y comedia costumbrista...O sea, que tras los cuentos del Oeste nos topamos con Shakespeare. Qué género tan tontorrón, ¿verdad?). Pero lo que más jode es ver que cuando, por ejemplo, a Clint Eastwood le dan su Oscar por Sin perdón (merecido), muchos se suben al carro de ¡Viva el "western"!, arrastrados por la corriente imparable de la Industria.

La justicia de Bill Munny en "Unforgiven"

Lo mismo, pero elevado al cubo, ha pasado con el cine musical. Y otra vez los Oscars reúnen a una legión de fans que dicen amar el género, pero que no saben quién demonios es Irving Berlin. Pelis como Moulin Rouge o Chicago fueron responsables hace unos años, de la reaparición del síndrome. Pero, ¿servirá de algo el éxito de Kidman, Zeta Jones y compañía? No creo. El gran cine musical seguirá siendo adorado por la minoría. Y de la juventud, ¿qué se puede esperar? ¿Acaso les interesa conocer a las figuras incontestables de la música popular de la última centuria?¿A los grandes coreógrafos, compositores, cantantes y bailarines que agonizaron en la pantalla con el resto de los géneros cinematográficos en los años 60 del siglo pasado? No. Es curioso, el "western" y el "musical" de calidad compartieron, en popularidad, la misma fecha de caducidad. A partir del final de la mencionada década, tanto los tiros de un Colt 45 como los acordes de Gershwin o Hammerstein sonaron cada vez más lejanos.

La única vez que los dos más grandes, Astaire y Kelly, bailaron juntos: "Ziegfeld Follies"(1945)

Recordaremos algunas de las joyas del cine musical, un género que no triunfa en cualquier parte: requiere buen gusto, sensibilidad, sentido del ritmo y capacidad de abstracción. Siempre me ha parecido como propio de alguien de pobre imaginación la frase: "No aguanto las pelis en las que van dos por la calle y se ponen a cantar y bailar". Precisamente es esa una de las situaciones que engrandecen el género: la música y la danza llegan para apoyar al cine con su complejidad y su capacidad de síntesis, para enriquecer y adornar la historia con un lazo sonoro maravilloso.

In a Lonely Place: ¡el trailer!

2009-10-15T13:21:00.002+02:00

EN UN LUGAR SOLITARIO (1950)

2009-10-15T12:43:00.005+02:00

Por petición popular he decidido dedicar una entrada a uno de los filmes más extraordinarios de la carrera de Humphrey Bogart. El director de esta obra maestra fue Nicholas Ray, uno de los más importantes de los años 50, que destacó por su habilidad y especial sensibilidad a la hora de retratar a los desesperados, los incomprendidos y los marginados. Y muy a menudo éstos eran, además, jóvenes. Así, en filmes como Knock on any door (Llamad a cualquier puerta, 1949), Rebel without a cause (Rebelde sin causa, 1955) o Busca tu refugio (Run for cover, 1955) el adolescente o el adulto joven sin rodaje sucumbe en medio del grupo o la sociedad que no puede, o no quiere, comprenderlo.

Nick Ray, inimitable mezcla de poesía y violencia

Curiosamente, In a lonely place no trata de los problemas de los jovenzuelos, sino de la pareja adulta. Algunas de las múltiples variedades de dolor que pueden surgir en las relaciones entre dos amantes son retratadas de una manera sorprendentemente madura, como pocas veces se ha visto en la pantalla, sin histrionismos y con momentos de tristeza y soledad muy cotidianos y reales. Al margen de la puesta en escena del realizador, dos cosas ayudan a que la historia de amor y de un crimen no resuelto sea tan potente: por un lado, la protagonista, Gloria Grahame, y el propio Ray mantenían por aquellos días una relación tormentosa que se iba yendo al garete; de alguna manera eso influye a la interpretación de la admirable Grahame y dota al film de un trasfondo real que enriquece la película. Y por otro lado, tenemos a Bogart en uno de los mejores papeles de su carrera, encarnando a un complejo personaje, guionista de cine sospechoso de asesinato, lleno de ambigüedad.

In a lonely place es un filme muy especial, inclasificable, personalísimo y universal; algo muy difícil de conseguir.

THE NEWS!

2009-10-03T15:06:00.003+02:00

Esta es la gran novedad de la que os hablaba: ¡El menda va a aparecer en una pilícula!¡De aventuras, pertenciente al género "swashbuckler"! Es decir, una peli de época y espadas (sables), con una historia épica y dramática, con personajes potentes, romance y tragedia, acción y emoción.

Creo que nunca lo he comentado en este blog (soy la leche), pero practico esgrima desde hace años -es una de mis pasiones- y pertenezco a un club irrepetible, el Compostela Esgrima (hay web). Le damos a todo; a las tres armas de la esgrima deportiva, hemos hecho nuestros pinitos en la esgrima antigua (no es lo nuestro) y debutamos a lo grande en el cine usando nuestra imaginación y conocimientos coreografiando las escenas de lucha de MAR LIBRE, la miniserie que la TVG emitirá después de Navidades. ¡Y también tenemos papelito!

Me voy a aprovechar del blog de mi colega y presidente, y os remito a él para encontrar muchísima información sobre esta aventura que se prevé entusiasmante.

Id a http://piranoias.blogspot.com/ y veréis.

El dire es Dani de la Torre, un tipo de Monforte que tiene el "knack". O sea, talento, imaginación y más.

Mr. de la Torre un poco acojonaíllo pensando en lo que se ha metío

¡Reencuentro, cosas pendientes y grandes novedades!

2009-09-10T19:09:00.014+02:00

1) Reencuentro
Hey! ¿Hay alguien por ahí? Gracias por confiar en que algún día volvería... Pasó el verano ya y nos adentramos en un nuevo curso que puede traer consigo lo inimaginable...

2) Cosas pendientes
Más tarde o más temprano, pero siempre intento cumplir con mi palabra. "I´m a man of my word!", le decía Archibald Cunningham (Tim Roth) a un mazado Rob Roy (Liam Neeson) en la bastante vilipendiada Rob Roy (1995), quizá la última auténtica película de aventuras que se ha hecho al viejo estilo antes de que Ridley Scott llegase con su ordenador a recrear historias situadas en illo tempore.

Archie, quizá el último gran villano de tomo y lomo del cine

Y muchos os preguntaréis por dónde van los tiros.
Hace unas cuantas entradas (mejor medir así el paso del tiempo en este blog) os fui anunciando mi fanática inmersión (mis inmersiones suelen ser así, fanáticas) en una serie de tebeos británicos publicados hace 30 años o más que me habían impactado en mi etapa pre-adolescente. Os había mostrado yo pequeñas pistas, como ésta:

Pues bien, cuando hablé de colecciones añejas como 2000 A.D. -¿os acordáis? En ella vimos nacer al Juez Dredd- me encontraba también metido hasta las cachas en otra serie de comics inglesa que, vista hoy, es una de las madres del cordero, como veremos más abajo. Si alguien por ahí se acuerda de ella, es que está tan obsesionado por los tebeos como yo. Era ésta:

Como podéis deducir por el título y las ilustraciones de las cubiertas, ACTION no se andaba por las ramas a la hora de ofrecer diversión para los jóvenes: incluía relatos llenos de ritmo, personajes definidos de forma sintética pero contundente que se te quedaban grabados recién terminada la lectura de su primera aventura, dibujos por lo general de trazo sencillo y sumamente efectivo, guiones trepidantes con diálogos cortantes como la hoja de un sable afilado... Y sobre todo, VIOLENCIA. Esto fue el ingrediente definitivo para que la cocción encandilase a muchos adolescentes (primero, en Inglaterra, luego en más sitios). En ACTION, los momentos donde tienen lugar la muerte y la lucha, el suspense y la tensión, no son baladí para soldar los artefactos de las tramas tan bien urdidas. Tramas protagonizadas por carismáticos personajes.

Dredger, un agente letal como pocos

Las escenas de muertes extáticas, epatantes, bizarras y a veces grotescas por lo gore, según la historia, aportan una firma personalísima a esta revista sobre la que llegó a actuar la estulticia; primero fue edulcorada y luego, ante el justo bajón de ventas, cancelada por las mentes bien pensantes: "los chicos de nuestro país no pueden, bajo ningún concepto, entretenerse con cuentos de semejante bajeza moral". Así saca el pie del tiesto la censura desde que el hombre es hombre.
Porque la violencia de ACTION, como en las películas de Tarantino, no era nunca gratuita; nos traía historias cruentas de suspense cuyos múltiples climaxes no podían dejar de ser sangrientos. Baste decir que el protagonista más "querido" de la revista -de hecho, a mis 15 años me enganché por su culpa- era un tiburón blanco gigantesco dedicado a vengarse del hombre. Despiezados y/o jalados acabaron incontables contrincantes, incluido el héroe, el "bueno" de la peli, que perdió literalmente la cabeza a manos de...

...Hook Jaw! No perdonaba ni a los niños!

El gran pez fue la atracción más jugosa de ACTION, que iba siempre "full throttle" (a tope), pero había otras historias inquietantes y emocionantes, como las de Hellmann, un antihéroe (?) o villano (?) que, como pasaba con el pececito comilón, no sabías cómo catalogar: dudabas en desear que lo reventaran de una vez o que siguiese haciendo de las suyas y continuase la diversión. En este caso, Hellmann era un soldado del ejército Nazi que se recorría las tierras baldías de la destrozada Europa intentando sobrevivir, como hacían los errabundos luchadores de las historias de Sven Hassel. Arriba aparece Hellmann ilustrando una cubierta.
Pero había más, como Running Man, Death Game 1999, o Blackjack. Éste último, la historia de un boxeador negro que se ve amenazado por la ceguera, dio el nombre a la edición española de ACTION, la que leía yo cuando era un chaval y no sabía mucho inglés. Entre los años 1977 y 1982, más o menos, mis cuatro hermanos (bueno, tres, Abraham nació en 1978 y no estaba para malévolas jugadas de gamberrete todavía) y yo campábamos a nuestras anchas por el barrio de la Milagrosa, Lugo, donde mis padres regentaban una sastrería. Aunque no todo era hacer el pinzo por ahí; cita obligada era comprar o "cambiar" tebeos en el "Fariñas". Un día me pillé uno con un boxeador negro en la portada, y aunque no conseguí muchos más ejemplares de esa colección (no sabría hasta mucho después de qué colección original se trataba, así como tampoco estaba al tanto de que la revista daba sus últimas bocanadas en su país de origen), pues bien, ese comic me quedó en la retina con una persistencia suficiente para recuperarlo más de 25 años después y disfrutarlo de nuevo. De una manera menos inocente, más analítica -menos ilusionante, pues- pero un mogollón.

Blackjack, un boxeador nada sonado

Pat Mills, la cabeza pensante detrás de 2000 AD (la prórroga digna, pero menos pura, de ACTION) estuvo también al timón de la revista de Blackjack and Co., y por lo tanto tendrá un hueco -sí, nunca tan grande como el de los grande creadores de comics, pero honroso- en mi estantería. Y cuando hojee las peripecias de un corredor de maratón perseguido a través de los EEUU por la mafia, o las de un hombre que intenta patéticamente nadar lejos del ataque del escualo implacable, recordaré, en este mundo de hoy, hipócrita y lleno de corrección y buenismo, los días libres y desprejuiciados de ACTION.

3) Grandes Novedades. Próximamente.

¡Atentos!

Funerales sui generis

2009-05-26T11:48:00.009+02:00

El funeral vikingo, una forma muy épica de irse para siempre

Siguiendo las sugerencias de alguno de los numerosísimos visitantes de "Pase de Séptima", abordaremos el curioso y a veces hasta jocoso tema de los funerales y situaciones anejas -velatorios, entierros et al- en el cine. Teniendo en cuenta que el tema de la muerte está prácticamente omnipresente en el séptimo arte (ya no hablemos del género de terror, tendente a plasmar las desgracias de la vida), tomaos esta escueta selección como un preludio a una teórica gran antología del viaje del hombre al otro lado. Esos ratos en los que nos acercamos a ese pequeño terruño donde hay alguien metido.

1. Dracula (1958)

La verdad es que los ingleses se metieron a medio mundo en el bolsillo con la nueva propuesta de cine de terror: en color (la sangre brillaba como nunca), bastante explícito sexualmente (vampiras ataviadas con un transparente negligé, vampiros atractivos haciendo gala de sus largos colmillos) y actores de gran calidad (Peter Cushing) trabajando sobre guiones trepidantes y nada superficiales. Drácula fue el segundo personaje que adaptó la Productora Hammer, después del monstruo de Frankenstein, y claro, hay entierros y desentierros varios. Recuerdo indeleble desde la primera vez que la vi es el impactante inserto de la mano de Van Helsing hendiendo el pecho de la pobre Lucy (Westenra, en la novela) con una afilada estaca. La sangre brota y el gran Terence Fisher mantiene el plano. La no-muerta grita y después calla. Y Peter Cushing se limpia la sangre del canto de la mano (momento que fue idea de Cushing fijo; era un actor muy detallista y se preocupaba siempre de este tipo de cosas. Fisher siempre se lo agradecía). En fin, que Van Helsing consigue enterrar de una vez por todas a la chica vampirizada.

Christopher Lee, el primer Drácula abiertamente lujurioso

2. The premature burial (1962)

De la Hammer a la AIP, la productora liderada por Roger Corman, que en aquellos años le dio por llevar a la pantalla las narraciones del genio de Boston. Como es normal, las versiones de Corman palidecen al lado del magisterio de Allan Poe, y a menudo saca cosas chuscas o pretenciosas. En este caso, sin embargo, el producto es, cuando menos, entretenido, contando con el protagonismo del gran Ray Milland. Corman se inspira en el ensayo-ficción de Poe para crear una historia de celos, traición, venganza y obsesión enfermiza (la del personaje de Milland, convencido de que va a ser enterrado vivo en cualquier momento, debido al estado catártico que le da la enfermedad que sufre). Es admirable el esfuerzo que dedica el protagonista para prevenir esa terrible tortura que representa despertar dentro de un ataúd sellado y enterrado.

3.Charade (1963)

La adorable Regina (Audrey Hepburn) asiste al funeral de su misterioso marido y se queda un poco sorprendida de lo que allí ve. Una serie de tipos de rostro patibulario se acercan de uno en uno al cadáver y comprueban, cada uno a su manera, que el fiambre lo es. La sorpresa de la chica roza la indignación y el espanto cuando uno de los individuos pincha el cuerpo inerte con un alfiler para verificar que el muerto no finge. Peter Joshua (contundente y encantador nombre para alguien tan encantador como Cary Grant) ayudará a la chica -en su propio beneficio- en la complicada trama de crimen y misterio, bien aderezada con comedia del más alto nivel, que Stanley Donen nos regaló. El director intentó repetir la fórmula de esta delicia de película un par de años después, con Arabesque, pero no le salió tan bien -aunque tampoco tan mal como se dice por ahí.

4. She wore a yellow ribbon (1949)

Una de las obras maestras de John Ford; de esas que cuando estás viendo te hacen pensar, con la lágrima en el borde del ojo: "esta es la mejor". Después, claro, ves que no, que cada vez que ves otra de las geniales del director piensas: "esta es la mejor". Pero bueno, que al caso. Complejo "western", del que mucha gente comenta que "tiene una gran fotografía, aunque la historia es floja". En fin. En este film tenemos una de las imperecederas escenas de cementerio: el capitán Brittles (John Wayne), veterano soldado al borde de la jubilación, acude otro día más junto a la modesta tumba donde descansa su mujer. Se sienta y habla con ella un rato. Dice cosas simples, le cuenta cómo le va. Es una escena de amor como pocas, con un ser vivo hablando con algo que ya no existe. ¿No? Puede que la mujer de Brittles no sea más que polvo ya (no sé si Ford leyó alguna vez a Quevedo), pero está claro que es polvo enamorado. Y John Wayne se luce, como es normal.

El capitán Brittles adecentando el lugar donde reposa su mujer

5. Macabre (1958)

William Castle fue un director que empezó en el cine de serie B (seriales et al) a mediados de los 1940s, siguió en los 50 con pelis de aventuras también baratas (y bastante aburridas o anodinas; malas, por lo general) y se convirtió a principios de los 60 en un director mini estrella, un Hitchcock de tercera categoría que, sin embargo, nos sirvió un puñado de historietas de terror muy entretenidas. El sello "Castle" que diferenciaba a sus productos eran sus particulares "gimmicks"; es decir, curiosos inventos "interactivos" que el avispado director introducía en sus estrenos, con el claro objetivo de atraer al intrigado espectador (y maquillar un poco los defectos de las películas, ninguna extraordinaria por sí misma).

El vivo de Castle con un par de amigos

Así, para House on Haunted Hill (1959), un gigantesco esqueleto de plástico, reclamo del film, se zarandeaba en las salas de proyección de vez en cuando; para The Tingler (1959), en la que un bicho que emitía descargas eléctricas y se acoplaba a la columna vertebral de sus víctimas, se diseñó un sistema voltaico en las butacas de los cines que aguijoneaba a los espectadores; en 13 Ghosts (1960), el público podía usar unas gafas especiales para ver los monstruos que salían en la peli, pero si estaban demasiado asustados podían apartar los visores y sólo veían a los aterrorizados actores ante el engendro de turno... Y hay muchos más ejemplos. Castle se forró gracias a su ingenio.

De todas maneras, curiosamente, la que es una de sus mejores películas, Macabre, contiene el "gimmick" más simplón: en un momento determinado del metraje, un reloj se apropia de la pantalla y una voz en off previene al espectador: salga de la sala si cree que su corazón es demasiado débil para resistir lo que se avecina. Asimismo, la publicidad del film aseguraba que la casa Lloyd´s, de Londres, entregaría un seguro de vida por 1000$ a los espectadores que viesen el film (previendo los posibles síncopes múltiples). El pillo de Castle estaba iniciando un interesante movimiento ¿intracultural?; hacer llegar el cine al público como un juguete o artificio de ocio con el que interaccionar. En definitiva, otra vertiente audiovisual para luchar contra la televisión, que en aquella época ya le iba comiendo mucho terreno al séptimo arte.

Pero bueno, y de funerales, ¿qué? Nada, que en Macabre, toda la modestia y falta de pretensiones de sus entretenidas películas se remata con una sorprendente escena final durante un entierro. Eh, es terrorífica, y la verdad bastante bien hecha, muy tomada en serio, apartada de las simpáticas coñas extracinematográficas.

The German Shepherd

2009-05-12T19:37:00.007+02:00

No, no voy a analizar la particular idiosincrasia y el amplio abanico de méritos de labor del granjero boche. Vou falar dun can, a raíz de una petición especial a este blog, hace ya mucho tiempo. El perrillo conocido como Pastor Alemán en el cine. Y en la tele. Esto va en cinco entradas, con cariño para esa persona a la que no le va mucho mi estilo.

1.The Night Cry (El águila de la montaña, 1926)

Bueno, amigos, la verdad es que el climax se alcanza namás empezar. RinTinTin, el original (hubo varios canes más con el mismo nombre, al largo del Siglo XX, para aprovechar el filón) fue el pastor alemán más increíble que ha dado el cine. Un perro muy chulo que nació con otros cuantos más en 1918, en una perrera bombardeada en Lorena, Francia, durante la I Guerra Mundial. El cabo Lee Duncan descubrió la camada de perrillos indefensos y cogió dos de los cachorrillos, un macho y una hembra. Los nombres de unas populares marionetas francesas, RinTinTin y Nannette, bautizaron a los animalitos, y Duncan se los llevó a través del charco. Dio mucha pena, pero Nannette murió durante el trayecto. RinTinTin poco a poco empezó a demostrar una inteligencia y unas habilidades fuera de serie, y Duncan empezó a hacer cuartos con él en un show canino en los States. Era inevitable, y el cine propulsó a la fama al animal y a su dueño. RinTinTin consiguió su primer papel de renombre doblando al lobo (!) que dificultaba el rodaje de una escena; Duncan sugirió que utilizasen a su amigo canino y el animal se curró la escena a la primera. A partir de ahí, la Historia.
The Night Cry es quizá melodramática y previsible, pero el perro es algo fuera de lo normal, y hay una secuencia de tal tensión que te bloquea el aparato circulatorio.

RinTinTin, el único y original, nos dejó en 1932

2. El perro (1976)

Un film que me marcó bastante cuando lo vi a los 12 años o así. Antonio Isasi-Isasmendi, madrileño que se dedicó con un par a revitalizar el thriller de aventuras español en los 60 y 70 (con no mucho acierto), rodó está película, digamos, interesante, con dos principales protagonistas: un hombre (Jason Miller, el padre Karras de El Exorcista) y un perro. Un hombre contra un perro. La historia, basada en una novela de Vázquez-Figueroa, habla del hombre, que es un prisionero político en un país sudamericano, que se fuga. El perro va tras él. Y es muy fiel a sus amos, por lo que no ceja en su empeño. El final es bastante triste, pero ahí está una vez más la honestidad del animal reflejada en esta historia llena de imágenes potentes. Vale, la peli no es nada de otro mundo, pero las escenas del hombre desnudo, con el perro (desnudo, también) corriendo detrás, a través de la vegetación, siempre me han transmitido (ya que soy humano) algo como de terror primigenio; no sé, el hombre en bolas en medio de la naturaleza.

3. K-9 (1989)

Esta es una de esas películas de los 80 tan deprimentes, que quiere ser un trhiller, y una comedia, y romántica, y con suspense; o sea, como los clásicos, pero sólo consigue entretener en las escenas protagonizadas por el pastor alemán Koton. Este era en realidad un perro del Departamento de Policía de Missouri, y murió en 1991 en el cumplimiento del deber, durante el arresto de un criminal, protegiendo la vida de un agente. La honradez, naturalidad y valentía del perro se transmite en contados segundos desde la pantalla, debido a la neutra e insulsa labor de Rod Daniel, chungo realizador. Aún así, la nobleza del animal consigue que sigamos sentados ante la pantalla y nos traguemos los feos tramos en los que aparecen los seres humanos.

4. Kommissar Rex (1994)

Una serie exclusivamente para niños, apasionados irracionales de esta raza de perros o abuelas (a la mía le gustaba mucho). Es una serie austríaca en co-producción con Alemania e Italia. Y es, en general, mala a más no poder. Tramas tontas (aunque a veces curiosamente sórdidas) que no se sostienen ni con brocas del 15, interpretaciones penosas, rodaje televisivo en el peor sentido de la palabra y más cosas tristes puestas ahí para que disfrutemos una vez más con, para muchos, el perro por excelencia. Y vaya si es grande el poder de este can, que hasta el momento ha llevado a la serie hasta la ¡temporada 13!
Rex, un tipo listo en un mundo de bobos

5. The Littlest Hobo (1963)

Jo, ¿no os acordáis los de mi generación? Creo que eran los sábados al mediodía, cuando Hobo, un pastor alemán vagabundo iba por ahí haciendo el bien. Mis hermanos y yo flipábamos con la segunda serie, realizada a principios de los 80. También recuerdo la canción, "Maybe Tomorrow", cantada por un tal Terry Bush. Yo la grabé en el magnetófono y la tarareaba a menudo. ¡Qué tiempos! En esta serie canadiense salían actores conocidos, como John Carradine (¿dónde no salió éste?), Vic Morrow o Patrick McNee. El Hobo era muy chulillo, y rebelde, también: no se casaba con nadie, ni siquiera con el niño bueno de turno. Al final de cada aventura, seguía su camino en solitario.

Sniff..., those were the days...

Hell Is For Heroes - 1962 - ¡El trailer!

2009-02-19T13:25:00.003+01:00

¡ESTO ES LA GUERRA! (II)

2009-02-12T14:20:00.007+01:00

Ante algún comentario recibido recientemente ("A ver si dejamos los comics y hay más cine!"; el que me lo dijo ya sabe que fue él), me he dado cuenta de que sí, llevo varias entradas sin tocar el palo de mi verdadera pasión, las filminas. Por lo tanto, os meto ahora la segunda entrada de mi antología del cine bélico (lo mejor y lo peor) y aprovecho para crear más suspense acerca de sobre qué versará el último episodio de mi vida en viñetas (algunos podréis adivinarlo al ver los sangrientos dibujos en blanco y negro que os adelanté, aunque sólo los más duchos los haréis).

Hoy, HELL IS FOR HEROES (COMANDO), 1962

Esta extraordinaria película es de esas con una parte final que te engancha y no te deja levantarte ni para ir a mear. Tras este comentario inicial que entenderá todo el mundo y que dejará claro que la peli está entre mis favoritas sobre la Segunda Guerra del S.XX, paso a analizar pormenores.

Don Siegel, uno de los maestros indiscutibles del cine de acción, miembro de lo que muchos críticos, con bastante acierto, llaman "generación de la violencia", es el encargado de poner en imágenes esta impactante historia que trata el heroísmo. Pero con los maestros, ya se sabe, nada es blanco y negro (aunque la peli esté rodada mediante ese proceso fotográfico) y lo que ya sabes o supones, por haberlo visto antes en incontables ocasiones, adquiere un filtro especial y no dejas de sorprenderte al ver cómo una historia aparentemente vieja te puede hacer experimentar emociones tan nuevas u olvidadas.

Don Siegel supervisando al de la derecha en el rodaje de "Dirty Harry" (1971). Siegel dirigió a Eastwood en 5 ocasiones. El actor terminó siendo un gran director, en gran parte debido a las lecciones de narrativa cinematográfica del realizador de "Invasion of the Body Snatchers" (La invasión de los ladrones de cuerpos, 1956).

La primera parte de la película nos presenta al personaje principal, el soldado norteamericano de infantería perdido por Europa adelante, desorientado y alelado o desquiciado y bromista, afectado por la barbarie bélica y representado en la imagen de Steve McQueen en uno de sus primeros papeles protagonistas, cuando ya era famoso, pero antes de convertirse en una auténtica estrella con The great escape (1963). Parte de un pequeño grupo de G.I.s encargado de retener a un potente destacamento alemán, con base en un imponente búnker, Reese, el personaje de McQueen, vagabundea por un pueblo abandonado, chatea un poco con una atractiva fraulein en un bareto desahuciado y muestra, en su manera de hablar y en su mirada congelada, la cercanía de la locura.

McQueen nos brinda una de las mejores interpretaciones de su carrera, encarnando al medio ido Reese, un tipo trastornado por la sangre que ha visto, al que ya se le han caído un par de tornillos, y de vez en cuando pierde los papeles. McQueen logra mantener un equilibrio encomiable en la interpretación de semejante personaje, que otros actores tipo Jack Nicholson (o Rod Steiger, o Lee J. Cobb, por poner otros más clásicos) podrían haber convertido en un empachante loco desatado.Pero bueno, aparte de McQueen hay un buen elenco de secundarios entre los que asoma la cara el potente James Coburn en uno de sus primeros papeles. Hay un descanso cómico con Bob Newhart y su coña con el teléfono, que tampoco molesta tanto.

Relax cómico en medio de la destrucción y antes del sacrificio

Pero la peli avanza sin remisión (y el espectador lo nota) y cada vez con más tensión, hacia un climax inolvidable en el que hace su irrupción el heroísmo más inútil. Seamos héroes, que para eso nos pagan. El pulso de Siegel es inigualable en la incursión nocturna por el campo plagado de minas, y luego en el asedio final a los búnkers, con McQueen y sus movimientos en acción, identificables para el que se fija. El actor tenía algo que John Wayne, Robert Mitchum, Burt Lancaster o Peter Cushing también poseían, ese uso personal del cuerpo, no sólo del rostro, que los identificaba hasta de espaldas.

El plano final, entre fijo y desenfocado, con el "The End" superpuesto, te dice que todo se acabó, sin más dilación ni mensaje de consuelo, y luego intentas recobrar el aliento. Peliculón.

BRITISH COMICS

2009-02-06T20:23:00.003+01:00

Uauh! Two days in a row paying attention to my dear blog! Dear friends, here we are...!! ¿Pero qué me pasa? ¿Qué hago escribiendo en el idioma de la perfide Albion? Bueno, la verdad es que como muchos ya sabéis, soy bastante anglófilo, aunque soy consciente asimismo de los defectos de esos habitantes isleños. Bueno, al caso.

Estas pasadas navidades estuvieron teñidas de sangre, acción, suspense, fantasía y buenas historias, como hacía tiempo que no recordaba, de la mano de dos de las colecciones más representativas del comic británico. ¿Me podéis decir alguno el título de algún comic inglés? El 90% de los que os gusta el comic de acción controlaréis títulos y colecciones americanas (Marvel, DC, los clásicos de las strips), pero de los guiris del norte, ¿conocéis algo? A lo mejor, sin saberlo, la respuesta es sí:

Sí, hombre, el Juez Dredd!

Este es el personaje más famoso salido de Inglaterra, pero no es el mejor (como suele pasar). El Juez Dredd es uno de los personajes que aparecía en la colección de historietas 2000 AD, serie publicada desde 1977. Hoy en día supera ya el número 1600. Y subiendo. Como podéis haber deducido, esta popular colección fue una en las que me sumergí recientemente. Hacía bastantes años (más de 10) que no me lanzaba al mundo de fantasía violenta y ciencia ficción cruenta, en plan cyber-punk, y debo decir que algunas de las sagas que nos traían autores como Alan Moore, Brian Bolland, John Wagner, Dave Gibbons, Neil Gaiman o Alan Davis (antes de que saltaran al estrellato y se forrasen yéndose a los States) me han hecho disfrutar bastante. Recuerdo que allá por los últimos 80 del siglo XX, se publicaron en España las aventuras del Juez Dredd en cuadernillos típicos de 30 y pico páginas, y otras de personajes como Robohunter o Perros de Estroncio, o series sangrientas como Flesh. Con mi hermano Julio pillé algunas de éstas.

De todas maneras, estos ejemplares que se publicaron en España, con la excepción de un par de aventurillas, no pertenecían a la mejor época de 2000 AD. Como ya sabéis los que andáis por aquí, mi pasión por lo auténtico, que normalmente es lo clásico, me advirtió pronto acerca del bajón general de calidad después de los diez primeros años de historia de la revista. Una publicación que se inició con un afán rompedor, ilusionante e inventivo allá por los 70, la última década donde todavía coleaba la auténtica creación en las artes.

Gracias al internés me pude hacer con los 100 primeros números de 2000 AD y apreciar la capacidad creativa de los ingleses, casta oscurecida en el comic de acción y aventuras debido a la arrolladora máquina de hacer cuartos americana. Bastante imaginación y una refrescante falta de corrección política, junto con un gusto por la violencia más cruda, hicieron de 2000 AD algo muy popular. Además renovó y relanzó a un personaje entrañable (para los británicos, aquí nó se debió oir hablar de él mucho) de los años 50: Dan Dare. En la actualidad no tiene interés para mi (como casi nada, o nada, del comic que se publica hoy en día; soy así), pero en su momento el lector se sumergía en un mundo de robots, invasiones (extraterrestres y de aquí), bichos grandes que matan y comen al hombre, y acción y tiros.

El nº 1, con el renovado Dan Dare a la cabeza

2000 AD molaba, al margen de sus historias, porque hacía que sus lectores formasen parte de un universo inmenso al leer una revista editada en el espacio exterior. La colección no tenía "números"; eran "programs", y el redactor que presentaba la revista era un extraterreste, Tharg, que traía las historias para los pobres terrestres, o "earthlets".

Pero 2000AD fue en realidad una consecuencia (agradecida) de la desaparición de otra serie muy especial, cuyo principal responsable fue Pat Mills, la mente pensante y la voz (o el texto) detrás de Tharg. Y aquella sí que marcó época, en el comic británico y, en menor escala, porque leía todo lo que caía en mis manos, en mi adolescencia más pura e imberbe. Hablaremos de esa colección pronto. Os dejo con otro adelanto:

AY!

MÁS COMICS

2009-02-05T20:11:00.006+01:00

Pues nada, que sí, que ya sé que soy un inconstante y un día me van a quitar este blog. Y la verdad es que me gusta ver mis cosillas aquí colgadas, pero hay épocas en las que no doy abasto.

Pero bueno, dejémonos de excusas y estemos a lo que estamos.

Como en las dos últimas entradas del año pasado me dio por el análisis nostálgico de mi vida de lector de cómics, he seguido haciendo memoria y descubrí que se me habían quedado un par de palos sin tocar, un par de tipos de comics que también he incluido en mi curriculum mental y espiritual.

El primero va de humor existencial para todos los públicos, de la mano de un genio y de otro tipo, no genio pero sí bastante talentoso. Dos recomendaciones que creo que no necesitan recomendación. Hablo de:

Peanuts (Carlitos y Snoopy). Un clásico imprescindible que nació en 1950.

La obra de Charles M. Schulz fue la tira cómica más leída de la historia, y es algo aparte, inimitable y total. Quino se hizo popular con la versión argentina de Peanuts, y aunque su talento e imaginación es innegable, una vez que revisas las tiras de Schulz, te das cuenta de que seguramente la niña esta no hubiese nacido sin la tira del yanki:

Mafalda (1964), la niña demasiado lista que encandiló a varias generaciones de lectores de habla hispana.

Y la segunda hornada comiquera que me queda por comentaros está en su mayor parte en las antípodas de los niños sabios de arriba. Será la próxima entrada de este blog, muy pronto, lo prometo. Os adelanto sólo esto:

Uauhh...

Vamos a ver, luego: RIC HOCHET

2008-09-14T16:39:00.005+02:00

Lo que os decía antes, que en los comics de Bruguera, en especial los "Mortadelos Especiales" (¿os acordáis?), se incluían muy a menudo aventuras completas de este perdiodista-detective, protagonista de misterios muy, pero que muy bien concebidos, dignos del mejor pulp de intriga, como veremos después:

Ric Hochet nació a finales de los años 50, creado por el ilustrador Tibet y el autor de ficción de crimen y misterio Duchateau. Los dos profesionales unieron sus talentos e introdujeron su nuevo personaje en la revista "Tintin".

Al principio, las investigaciones de Ric Hochet se ceñían a narraciones ilustradas de una página en las que se presentaba un misterio que el lector debía resolver. En el número siguiente de la revista se daba la solución al enigma. Al poco tiempo estas historias narradas alcanzaron tal popularidad entre el público galo que se exigieron aventuras más largas del intrépido periodista. Tibet y Duchateau decidieron que era hora de lanzarse a la fama, y comenzaron a publicar por entregas en "Tintin" episodios que llegaban hasta las treinta páginas de extensión. Pronto la saga de Ric Hochet se estabilizaría con aventuras de longitud estándar dentro del comic franco-belga, las 40 y pico planchas de rigor a todo color.
Y los años pasaron. Más de cuarenta, en los que no pararon de salir álbumes de Ric Hochet. El personaje es todo un clásico del comic europeo, aunque, incomprensiblemente, no existen ediciones en otro idioma que el francés (?). (Dejando a un lado, por supuesto, las historias publicadas en español dentro de la revista "Mortadelo", aunque con la rotulación mecánica y fría de la Bruguera más típica, y el coloreado plano y muermo de esa editorial: nunca se han publicado álbumes independientes de Ric Hochet en España).

Ric Hochet pasado por el filtro descuidado de Bruguera

La popularidad de Ric hochet se ve refrendada por su aparición en alguno de los grandes murales urbanos que homenajean el comic franco-belga en la ciudad de Bruselas:

Aunque muchos me diréis: ¿Qué tiene el moloncillo rubio ese que no se pueda encontrar en otros comics? Bueno, en primer lugar, el mismo diseño del personaje, cuyo físico ha ido cambiando a lo largo de sus cuatro décadas de vida de acuerdo con los tiempos y modas cambiantes. Es un héroe agudo, aguerrido y simpático, pero, curiosamente, un poco insípido y desprovisto de una personalidad muy definida, al contrario de lo que ocurre con los personajes secundarios de la serie, como el tozudo comisario Bourdon:

Bourdon, en el mural de Bruselas, con graffiti y todo

Esto, que a priori puede parecer un defecto, consigue un efecto curioso: provoca que el lector siga las investigaciones de Ric Hochet con un interés inusitado sin despistarse por la idiosincrasia
del personaje, siendo éste una especie de guía que nos va dirigiendo, mediante el descubrimiento de nuevas pistas y giros de la trama, hacia la solución del misterio.
Otra interesante particularidad de la serie (aparte del dibujo de Tibet, atractivo, detallista, con la línea clara y la perfección formal típica del comic europeo heredado de la escuela de Hergé) es la selección de intrigas que el guionista Duchateau se saca de la manga. Está claro que el autor bien pudo haberse labrado fama desde la literatura -ahora su obra escrita siempre quedará oscurecida por la ilustrada-, dado el surtido de misterios originales y casi siempre inteligentemente resueltos, como pocas veces en el contexto del comic.
Además, las aventuras de Ric Hochet nos ofrecen más puntos de interés, como su uso de la violencia (a veces sorprendentemente cruda, que se aparta con frecuencia del ámbito del público juvenil), las atractivas localizaciones y los juegos y planificaciones de las páginas. No estamos hablando de una narración tan clásica y abigarradamente magistral como la que podemos ver en el "Blueberry" de Charlier y Giraud, pero Ric Hochet bien merece ser tenido en cuenta como el protagonista de una serie singular y de un inmenso atractivo, imprescindible para los amantes de la ficción de misterio.

Yo me he decidido hace poco a hacerme con la colección en versión original (me voy apañando con el francés), y me estoy pillando los lujosos tomos del "Ric Hochet Intégrale", con cuatro aventuras en cada uno, desde www.amazon.fr. La variedad de las historias es increíble; todo gracias a la gran productividad de Tibet y Duchateau, que sacaban dos álbumes al año, más o menos.

Ahora después de veinte años más o menos, recupero a este gabacho molón (sí, como el Jean-Pierre Aumont de The Cross of Lorraine) que tan buenos ratos me había hecho pasar de pequeño, combinando las risas de Sacarino, Sir Tim O´Theo y otros con sus aventuras en los Mortadelo Especial. ¡Qué sensaciones más ilusionantes me traían los tebeos aquellos del verano! Le decía a mis papis: "¿Me dáis pa un cuento?" Y nos íbamos de vacaciones a las Rías Baixas, mis cuatro brothers y yo y nuestros progenitores, y junto con el sol y el mar, las cafradas y aventuras de los 5 enanos que éramos (5 Zipi y Zapes al cuadrado), Ric Hochet me trae hoy el recuerdo de aquellos días de solaz y diversión.
Y además, ¡es muy bueno!

¿Alguien se acuerda de Ric Hochet?

2008-09-11T11:43:00.006+02:00

Últimamente he tenido tiempo de revisar, releer, cotejar, recolocar y contemplar luego desde el sofá, con una copa de Jack Daniels en la mano, mi amplia y variada colección de comics (i.e., tebeos, cuentos, etc) y novelas gráficas (pedante expresión que viene de forma forzada del inglés; llamémosles comics caros). Desde que tengo uso de razón he leído comics. Creo que he leído de todo tipo, desde los clásicos del humor español, sobre todo de la a veces añorada editorial Bruguera, con los populares personajes Ibáñez, Vázquez, Cifré, Raf, Escobar, etc.

...pasando por las adaptaciones de clásicos lieterarios, aquellas "Joyas Literarias Juveniles",

...pasando por los clásicos de la aventura made in Spain, de Manuel Gago, Iranzo, Darnís, Víctor Mora, Ambrós, Vañó, etc.

...pasando por el comic franco-belga, con los Hergé, Goscinny & Uderzo & Morris, Giraud (antes de ser Moebius) & Charlier, etc.

...pasando por la época obsesionante del cómic de superhéroes norteamericano (hoy penoso y fuente inagotable de películas millonarias, y malas, la mayoría) con los mejores representantes del género: Stan Lee, Jack Kirby, Ditko, Adams, los Buscema...

...pasando por el comic "para adultos", que a los 13 ó 14 años leíamos en secreto y a oscuras, relamiéndonos en lo prohibido (hoy los niños se pierden esa sensación), aquellas revistas que recopilaban obras "de autor", a menudo pedantes y efectistas: Metal Hurlant, Cimoc, 1984, Totem... con autores tipo Manara, Moebius (después de ser Giraud), Richard Corben, en los que descubrí a un genio llamado Hugo Pratt, etc.

...pasando por la revolución del comic Marvel y DC de finales de los 80, cuando se pusieron "adultos" y consiguieron el "prestigio" para más público de la mano de revolucionarios (es decir, admiradores de los clásicos y, en último término, clásicos) como Alan Moore, Frank Miller, John Byrne y otro par más; tampoco hubo tantos.

...pasando (de puntillas, eso sí) por el manga, con gente como Koike, Kojima o Aoyama,

...pasando por el comic argentino, especialmente el de los oscuros 70, el imaginativo testimonio de gente como Breccia, Oesterheld y Solano López,

...pasando por los modernos superventas del comic europeo, tipo Van Hamme, y otros más clásicos como Giardino, Tardi, etc.

...pasando por los clásicos imprescindibles a partir de los que vino todo lo demás, que no es mejor, de Alex Raymond, Caniff, Foster, Chester Gould, etc.

...pasando por Will Eisner y los inimitables talentos de EC, claro.

...pues todo esto y más que no comentaré (como los comics basados en personajes de Walt Disney o Hanna-Barbera en las revistas "Don Miki" y "Copito", cuando eras muy niño, claro; por lo general hoy no aguantan media lectura) ha jugado un papel decisivo en mi evolución vital (ya véis el resultado, los que me conocéis), junto con el cine, la música, la literatura et al.

Y ahora, en la recta final del 2008, recupero a un personaje huidizo, que aparecía aquí y allá, como complemento en las revistas de humor de Bruguera en los 70 y 80, que me atraía muchísimo y que no había logrado hincarle el diente de verdad hasta ahora.
¿Alguien se acuerda de Ric Hochet?
Otro día hablamos de él.

¡KILLER STRIP en el mercado!!

2008-08-30T17:12:00.003+02:00

Y muchos diréis: ¿Qué es eso? Pues nada, tras las vacaciones estivales os tengo que recomendar la nueva novela salida de la factoría Goás Jul: la obra de mi hermano Julio, también publicada a través de www.sintrabas.com
Os dejo aquí el "blurb" (en inglés, el texto informativo de la contraportada) como presentación:

Jack Birke, un dibujante de comics a punto de retirarse decide finalizar la colección de su más famoso personaje de una forma que no gusta a su editor ni a alguno de sus fans. A pesar de las amenazas sufridas, Jack sigue con su propósito. Cuando el dibujante aparece asesinado, un amigo y admirador de éste decide resolver el caso y encontrar al asesino. Para ello debe empezar a investigar dentro de su círculo de amigos “comiqueros”, sus propios colegas, viajar al centro neurálgico del comic mundial y descifrar el enigma que encierra un comic legendario.

Julio G. Jul, aficionado al comic, al cine y al rock´n´roll, escribe esta novela de misterio en torno al mundo del comic de superhéroes, donde a veces los fans son más extraños que los mismos personajes del papel.

Y aquí os va el link a la página que diseñó mi brother, con simpáticas animaciones e información varia sobre la publicación.

http://usuarios.lycos.es/fandezine/

EL RETORNO DEL CAZADOR, por JFGJ

2008-07-09T12:49:00.014+02:00

Hola de nuevo a los que os acercáis a este Guadiana de los blogs.

Pues una vez terminado el curso y el maremágnum de actividades culturales y deportivas que inundó mi existencia estos últimos meses, he decidido presentar, analizar y publicitar la tarea más ilusionante del año en curso: ¡la publicación de mi primera novela!

Como no podía ser menos, la historia de mi opera prima tiene como protagonista a...

Ehh... No, no, perdón, pero mmm... ¡Eh! ¡Concentrémonos! Hablo de...

Sí, sí, de ...

...SHERLOCK HOLMES!! (El de la foto es el gran Basil Rathbone, el que más veces encarnó al personaje en el cine y el mejor esgrimista de la pantalla -lo tenéis con Tyrone Power en la cabecera de este blog: el mejor duelo del cine).

La verdad es que se ha cumplido uno de los sueños, o planes, que tenía previsto que se llevase a cabo en los años que tenía pensado pasar en este planeta. Mi libro es real ya.

La editorial que se ha metido en el ajo conmigo es una pequeña pero peleona cooperativa, con base en internet, http://www.sintrabas.com/. El objetivo de esta empresa es la de promocionar a escritores noveles y, altruísticamente, sin ánimo de lucro, extender por el país la pasión por la escritura y, a la vez, cumplir el sueño de mucha gente: ver su libro impreso y encuadernado en una edición simple pero suficientemente atractiva, con ISBN y demás, para que se pueda llegar a comercializar, si se da el caso. A mí se me dio, y en mayo, junto con mi colega Ricardo (que también le da a la pluma), presenté mi primera novela en la Feria del Libro de Lugo (eu son de alí) en compañía de seres queridos y amables visitantes. Firmé y dediqué mis primeros ejemplares, y distribuí copias del libro por diferentes librerías de Lugo y Santiago de Compostela, las ciudades en las que soy omnipresente a lo largo del año.

Si a alguien le apetece pasar "unas horas muy entretenidas" (comentario de varios lectores) con esta novela sin pretensiones, de evasión, que contiene misterio y acción a la vieja usanza, concebida como homenaje a la novela de aventuras del siglo XIX y primera parte del XX, en plan Julio Verne, Rider Haggard, Anthony Hope, por supuesto Conan Doyle, Karl May, John Buchan, etc, (pido humildemente disculpas por añadir mi nombre a esta lista de creadores de peripecias, artistas de la pluma), pues la podéis adquirir a través de la web de la editorial. Utilizad el enlace librería Leola en el menú de la izquierda en dicha web, y escribid mi nombre en el buscador. Eso sí, la página está cerrada por vacaciones hasta septiembre, o sea que en verano mi libro está disponible en librerías de Lugo y Santiago solamente.

Elegí la portada del libro yo mismo, para imitar las ediciones anglosajonas de Penguin o Wordsworth, y darle un toque decimonónico-artístico que de alguna manera crea intriga; más aún sabiendo de antemano que la historia es un "thriller" de aventuras.

Os voy a hablar ahora un poquito de la novela y otras cosas que rodean su nacimiento.

Mi pasión por Sherlock Holmes es bien conocida entre mi círculo de amistades y enemistades: soy un fanático del personaje. He sido miembro durante años de la Sherlock Holmes Society of London, agrupación fundada en 1951 y una de las más veteranas. Soy un coleccionista cuasi enfermo de todo lo Holmesiano: tengo más de 120 películas de la filmografía de más de 200 del personaje (muchas mudas inencontrables), tengo colecciones de comics de Holmes, todos los juegos de PC del detective, objetos varios (manteles, figuras...) y 50 ó 60 libros (aparte del Canon original de Doyle), conocidos como "pastiches" en el mundo anglosajón. Éstos son libros con Holmes como protagonista, escritos por gente variada. La historia de los pastiches comienza ya en la época de Doyle: su amigo J.M.Barrie, creador de Peter Pan ya hizo una entretenida historia con Holmes. Desde entonces, cada año salen libros protagonizados por el detective. El mío es uno de los últimos, junto con el del irregular (soy criticón) pero entretenido Rodolfo Martínez, Sherlock Holmes y el heredero de Nadie, que salió en junio.

Bueno, lo que me faltaba para saciar mi sed de Holmes era crear mi propia aventura. Y lo hice. De hecho, mi novela llevaba terminada más de un año cuando hace poco la editorial de Valencia me dio la oportunidad de publicarla. Fue todo un poco apresurado, teniendo en cuenta además que me interesaba presentarla en la Feria del Libro de Lugo. Por culpa de este estrés el texto no quedó todo lo pulido que me hubiese gustado, cosa que intentaré mejorar con la secuela que ya he comenzado.

A modo de puzzle de misterio, ahí os van algunas cosas que se combinan para dar como resultado la trama de la novela:

1.EDGAR ALLAN POE

2. CÁNOVAS DEL CASTILLO

3. EUGENE IVANOVITCH ALEXEIEV

4.THUGS

'The Stranglers of Bombay'

La historia al servicio de la aventura.

Disfrutad de Sherlock Holmes, personaje perenne e inimitable.
Aunque de vez en cuando aparecen tipos que se le parecen un poco:

¡ESTO ES LA GUERRA! (1)

2008-05-22T11:33:00.006+02:00

¡Aquí estamos de vuelta, para alegrar al niño y a la niña!, atendiendo un poquitín a este blog que me veo obligado a abandonar con más frecuencia de la que desearía. Pero es que levo unha vida demasiado liada y, punto importante, en mi piso de Santiago non teño interné, por lo que no puedo hacer uso de esos ratos de ocio que de vez en cuando revolotean cerca de mí, acompañados de mi musa particular.

Ahí están todas las musas liadas con el Apolo; claro, así se me acercan muy de cuando en cuando...

Ante las numerosas peticiones que he recibido (es decir, de Pi), vamos a comenzar hoy con una antología especial dedicada al cine bélico. Digo especial porque en cada entrada le echaremos un vistazo a una peli solamente, que será representativa de la temática de guerra correspondiente. Así, dentro de las guerras Bóers, Zulú andará por ahí, por ejemplo, o entre los filmes basados en la campaña norteamericana en Europa durante la Segunda Guerra Mundial, disfrutaremos recordando Hell is for heroes (Comando) o The longest day (El día más largo). ¡Y además, si queréis, podéis participar! En los comentarios que dejéis a cada entrada de cine bélico (que iré alternando con otras más largas de otros temas, de lo que se me vaya ocurriendo), podéis dejar sugerencias; alguna peli que os guste y que pueda aparecer reseñada e ilustrada aquí, junto con la opinión del menda (si no me mola, la pongo a caldo, claro).

Huy, José, dónde te vas meter...

Bueno, pues vamos allá, vamos a acompañar a un par de reclutas novatos perdidos en una colina coreana, a un comando británico intentando volar una base alemana cerca de Tobruk, a la tripulación de un submarino agobiado por las cargas de profundidad del navío japonés de turno, contemplaremos la arena ensangrentada de Okinawa, las lágrimas de una madre que estruja una carta con sello oficial, un arquero inglés asaeteando al enemigo normando, a Atila planeando el ataque del día siguiente junto al fuego de su campamento... Guerras y más guerras, la evolución del hombre en la industria armamentística y las incontables historias humanas que todo ello implicó.

HOY, THE CROSS OF LORRAINE (LA CRUZ DE LORENA, 1943)

Pues esta es una película made in Hollywood en medio del conflicto bélico más bestia del siglo XX. Los yankees ya llevaban dos años participando oficialmente en la guerra y en la Meca del Cine se producían historias de guerra con una carga propagandística de toneladas de peso. Como en los demás países, a todo esto. Heroicidades y sacrificios sin fin por parte de los aliados, enfrentados a los nazis. Malos, malos. El patrón era el mismo en casi todos estos filmes, pero en los más destacables, si obviamos el a veces empachante mensajito, ¿qué nos queda al cabo de los años? Emocionantes y tensas historias con acción, dramatismo bien dosificado y muchas memorables interpretaciones.

En este caso no estamos ante la narración de una batalla ni nada de eso. La peli es del subgénero POW (Prisoner Of War); es decir, de "campos de concentración". De la mano del todoterreno Tay Garnett, tenemos aquí una trepidante historia de franceses luchando por sus compatriotas y defendiendo el estandarte de la región de Lorena:

Gene Kelly, en su segunda aparición en una película no musical, no estaba todavía muy curtido, pero con su energía física sin igual se las arregla para retratar a Victor, el valiente francés convertido en cobardica a raíz de las terribles torturas a las que es sometido por los viciosos nazis capitaneados por el Sargento Berger (Peter Lorre). Paul (la estrella guaperas del cine francés Jean-Pierre Aumont, sacándose las pelas en Hollywood por aquellos años) consigue que Victor recupere su hombría, dando ejemplo con su valor.

Gene Kelly lo pasa mal

Y si no, mirad... Peter Lorre supervisa.

M. Aumont, El gabacho molón del que depende la libertad

Recuerdo que yo vi La Cruz de Lorena cuando tenía 11 o 12 años, en un ciclo de la TV2 que se llamaba "Lo que Vd no ha visto de Gene Kelly". Para mí ese ciclo o cualquier otro era bienvenido, y recuerdo que el climax de la peli me produjo escalofríos de emoción. Paul echa un discurso de esos que levantan a los muertos, llamando a la unión de los amantes de la libertad y en contra de los tiranos, etc, y recibe un balazo del nazi malo. Victor siente un respingo y vuelve a ser el que era antes. La rebelión está en marcha.

El clip incluye la famosa escena entre Kelly y Lorre en las mazmorras. Potente incluso hoy. Está en inglé, pero da igual, las imágenes son buenas por sí mismas.

VEREDICTO: historia con ritmo y tensión; los clichés no impiden disfrutar la inspirada historia patriótica.

PETER CUSHING, carta de nobleza para el cine de terror

2008-04-12T19:37:00.008+02:00

Uno de los recuerdos indelebles de mi primera etapa de glotón cinematográfico –esto es, a los seis o siete años, muy tierno- es una ágil figura que salta sobre la amplia mesa de un gótico salón que se va iluminando con los rayos del alba. A continuación, el personaje emprende una loca carrera y se propulsa como un guepardo sobre los cortinajes que cubren los grandes ventanales de la adusta estancia. Las telas ceden bajo el peso del hombre, la luz resplandece radiante, casi vengativa, y al otro extremo de la habitación el amo de la noche, el rey de los vampiros, Drácula, se desintegra rápidamente en una nube de polvo. Al momento, el hombre que había terminado con el enemigo de la humanidad se levanta. Es extremadamente delgado, con prominentes entradas, no muy alto y con una mirada penetrante. Su nombre es profesor Van Helsing.

El increíble final de Drácula (1958), una clase magistral de cine

Y es en ese año de 1958 cuando Peter Cushing (1913-1994), originario de Surrey, Inglaterra, quedó marcado a fuego en la memoria de muchos amantes del cine. Sí, Cushing ya había protagonizado el año anterior Curse of Frankenstein (La maldición de Frankenstein), el primer gran éxito de la memorable productora Hammer Films, en un intento por revivir a los monstruos clásicos de la Universal de los años 30, pero su impacto popular fue definitivo en la segunda incursión en el terror: Horror of dracula (Drácula). El imprescindible Terence Fisher dirigió una de las mejores versiones cinematográficas del mito de Drácula (el inimitable Christopher Lee fue el Conde)–quizá sólo superada por el Nosferatu de Murnau de 1922-, con perdón de los que prefieren la de F.F.Coppola del 92.
Curiosamente, Cushing hizo su debut cinematográfico en Hollywood, en una apreciable versión de El vizconde de Bragelonne, de Dumas: The man in the iron mask (El hombre de la máscara de hierro, 1939), de James Whale. Siguieron otras tres películas al otro lado del charco (incluida una de “el Gordo y el Flaco”, A chump at Oxford, en 1940), pero no soportaba estar lejos de una Inglaterra inmersa en la guerra y volvió a su patria. Pronto entró en la compañía teatral de Laurence Olivier, y recorrió el mundo con ella y con la persona más importante de su vida: su mujer Helen. Cushing viviría sus últimos años envuelto en una gran amargura tras haberla perdido a principios de los 70.
Volvió al cine en 1947 en la memorable versión de Hamlet de Olivier en el papel del ambiguo Osric, y a partir de entonces ya no paró de actuar: teatro, televisión (mención especial debida a su interpretación en la adaptación de 1984), radio y...la Hammer. Desde principios de la década de los cincuenta su rostro se dejó ver en varias películas americanas y británicas de diferente calidad -desde dignos “biopics” como Moulin Rouge (1952), de John Huston, hasta tonterías como The Black Knight (El Caballero Negro) (1954), de un poco inspirado Tay Garnett, con Alan Ladd en el papel del héroe medieval (¡!). Sólo Cushing, de villano, hacía soportable la película-.
Y así llegamos al momento de gloria de Cushing. A los 44 años se convierte por derecho propio en referencia indiscutible del cine anglosajón, gracias al barón Frankenstein. Pero, ¿cuáles fueron las armas que utilizó para alcanzar ese triunfo? ¿Qué especiales habilidades hicieron que calase tan hondo en el público de la época?
Bien, Cushing poseía una sólida formación cultural y teatral. Desde luego, esto no es determinante para que aparezca un gran actor de cine, pero desde luego altamente positivo si se combina con otras cualidades. Cualidades que él poseía de forma innata: gran magnetismo en su rostro, elegancia -inusitada en el cine de género- e inteligencia infinita a la hora de interpretar con todo su cuerpo. Cuando nos acercamos a un papel de Peter Cushing, su personaje destaca sobremanera en el film; da igual si se trata de uno secundario: sus manos, ágiles y precisas, realzan la importancia de los objetos que manipulan; de pie o sentado muestra un gran empaque en el plano; y sus gestos más extremos –en escenas de acción o de gran dramatismo- nunca resultan forzados, siempre apropiados y efectivos. De hecho, el actor llegó a convertirse en un auténtico perfeccionista a la hora de rodar secuencias clave, dotando de ideas al guión y a la puesta en escena y esforzándose por alcanzar lo que él creía correcto.
Su colaboración con Terence Fisher es digna de recordar: aparte de las dos joyas del terror ya citadas, realizaron juntos Revenge of Frankenstein (La venganza de Frankenstein, 1958), The hound of the Baskervilles (El perro de los Baskerville, 1959)- donde fue un gran Sherlock Holmes, quizá el mejor que nunca hubo, con permiso de Basil Rathbone y Jeremy Brett-, The mummy (La momia, 1959), Brides of Dracula (Las novias de Drácula, 1960), The Gorgon (La leyenda de Vandorf , 1964) y Frankenstein must be destroyed! (El cerebro de Frankenstein, 1969), entre las más logradas. Cushing dedicó el resto de su carrera a dotar de energía y atractivo al cada vez más tonto cine de terror británico. No volvió a Hollywood, excepto en agradables y dignas apariciones secundarias: fue el temible Grand Moff Tarkin en Star Wars (La Guerra de las Galaxias, 1977).

El mejor detective de Baker Street en la pantalla
Y ahora hay que tener en cuenta algo básico en relación con su carrera: Cushing nunca alcanzó el estatus de estrella de primera fila, en lo que a su participación en películas de gran presupuesto se refiere. Por tanto, todo ese cuidado que empleaba en el trabajo se destinaba a realzar películas en su mayoría de baja-ínfima calidad –especialmente en los 70-: pequeños bodrios como Twins of evil (Drácula y las mellizas, 1972), de John Hough o Madhouse (1974), de Jim Clark, o simpáticas estupideces como Pánico en el transiberiano (1972), del español Gene Martín –para mí entre las mejores películas de terror españolas de los 70, superior a las babosadas de Paul Naschy, aunque ya sé que eso no es decir mucho- tienen en Cushing la razón de que yo no lance la zapatilla a la tele. En las dos últimas el actor compartió cartel con Vincent Price y Christopher Lee, respectivamente. Las tres mayores figuras del cine de terror de la segunda mitad del pasado siglo se habían visto obligadas a aparecer en estas cosas...¡En fin! Signo de los tiempos...
En los años 60 Cushing perfiló más su gran interpretación del inmortal Holmes con una cuidada serie para la BBC, y ese mismo personaje despidió la carrera del actor como protagonista absoluto en 1984, con Sherlock Holmes and the masks of death (Las máscaras de la muerte), de Roy Ward Baker.

Los ocho minutos finales de The Gorgon (1964) -ver desde el minuto 3-, con Cushing haciendo de malo y blandiendo espada. Pero la Gorgona no se anda con coñas, hasta que aparece Christopher Lee para zanjar el asunto...

YO, CLAUDIO

2008-03-20T20:25:00.003+01:00

Ahora, en una Semana de milagros, el blog vuelve a revivir.

Y me apetece volver a revisar la historia de la caja tonta de épocas dignas.

Un día andaba yo por el Hipercor de Santiago de Compostela echándole un vistazo a los DVDs, cuando escuché casualmente un diálogo entre una pareja que supuse de novios. El chaval, bastante apocado, barajaba la posibilidad de adquirir la serie completa de Yo, Claudio en formato DVD. De repente, como una harpía babeante, acostumbrada a atar a su pareja en corto, la novia le recriminó su decisión con brusquedad insólita: "Pero qué dices, tío, si eso es una mierda, es una serie de televisión." Veamos. En primer lugar, la salida de la chica refleja a primera vista una actitud crítica hacia los productos televisivos. Hasta ahí, nada que decir, cada uno que opine lo que quiera. El problema es que la tipa demostró asimismo con su sentencia que ella era un ignorante producto LOGSE, ya que no tenía la más repajolera idea de la historia de los hitos audiovisuales. Estuve a punto de intervenir (soy así de chulo y pedante), pero cuando el novio, con cara de compungido, devolvió el set de DVDs al estante y encaminó sus pasos en otra dirección, no dije nada al percibir, una vez más, que cada uno tiene lo que se merece.

Derek Jacobi, en el papel del sorprendente emperador

John Hurt como el más perverso Calígula que se haya visto

Brian Blessed dotó de inteligencia a César Augusto

Siân Phillips creó a una inigualable malvada en el personaje de Livia

Patrick Stewart (con pelo, antes de convertirse en el Profesor X), en el papel del ambicioso Sejano.

I, Claudius es una serie de romanos (que todo el mundo interesado debería disfrutar de nuevo, más aún luego de la interesante producción también televisiva Roma, y así completar el fresco histórico) de trece episodios que se emitió originalmente entre 1977 y 1978, basada en la obra del maestro Robert Graves. En realidad, fueron dos las novelas que Jack Pulman y Herbert Wise (guionista y director, respectivamente) adaptaron para la televisión: Yo, Claudio y Claudio, el Dios y su esposa Mesalina. La producción fue británica, y por lo tanto contenía excelentes diálogos y grandes interpretaciones. De hecho, gracias a su popularidad, la serie fue un trampolín para muchos de sus actores: el magistral John Hurt, en el impresionante papel de Calígula, tuvo su espaldarazo definitivo, y eso que ya llevaba haciendo películas desde los 60; Derek Jacobi consiguió el papel de su vida como el protagonista de la serie, y otros actores demostraron su valía y/o se dieron a conocer (Brian Blessed como César Augusto o Patrick Stewart como Sejano).

El legendario comienzo de I, Claudius. Me fascinaba de pequeño; miedo, misterio... (Sólo interesan los 30 primeros segundos del video)

Se puede decir que la serie nos relata la historia del Imperio Romano desde el año 50 a.C. hasta el 50 d.C., poniéndonos al tanto de los acontecimientos más relevantes, así como de la multitud de intrigas y dramas personales dentro de la evolución de la familia imperial. Debido a lógicas limitaciones económicas, los escenarios resultan a veces muy teatrales y no existen exteriores, pero estos hándicaps se suplen con una trama rebosante de intrigas guiadas por la ambición y las más bajas pasiones, haciendo que las maldades de culebrones tipo Dallas, Falcon Crest o los innumerables sudamericanos queden en la memoria colectiva como chiquilladas de segunda fila. En realidad, creo que Yo, Claudio es la madre de todos los culebrones. Pero este se consume como una gran delicatessen, donde Historia y ficción se entrecruzan de manera genial, digno tapiz para la magistral narración de Robert Graves.

¡EL BRIGADIER GERARD! Un héroe de la época napoleónica

2008-01-31T11:18:00.001+01:00

Bueno, ya creíais que aquí no se iba a hablar de espadas, ¿no?

Echémosle un vistazo a uno de esos héroes geniales de la literatura, uno con sable.

No me refiero al capitán Alatriste, Long John Silver o Drácula, sino a una de esas inefables invenciones que han caído en el olvido o, peor aún, que nunca entraron en la memoria popular, habiéndolo merecido con creces. (En 1970, el polaco Jerzy Skolimovski, en una coproducción británica, suiza e italiana, llevó al cine la figura del brigadier en The adventures of Gerard, pero el film es una historieta olvidable que no hizo nada por dar a conocer al personaje; más bien todo lo contrario).

Un maestro currando

Arthur Conan Doyle, autor con un talento creativo tan grande como pequeño es el aprecio que se le tiene en muchos campos de batalla de la crítica, mató a Sherlock Holmes en 1893, cansado de su personaje. Después lo resucitaría, dándose por vencido ante el poder del detective (hoy Holmes es más real que el propio Doyle), aunque de la pluma del escritor escocés saldrían muchos más personajes memorables y, para el que tenga la suerte de disfrutar esas historias, imperecederos e inimitables: el profesor Challenger, Sir Nigel o ... el brigadier Gerard.

La atractiva edición de Valdemar

Doyle narró las peripecias de este fanfarrón de hace dos siglos en la popular revista Strand, de 1895 a 1903. Las memorables aventuras de Gerard constan de 17 historias cortas que posteriormente fueron incluidas en dos libros: The exploits of Brigadier Gerard y The adventures of Gerard. Imprescindibles.

Etienne Gerard, anciano orgulloso y borrachín, veterano del ejército de Napoleón, un húsar de vida agitada y trepidante, mujeriego y aguerrido, nos cuenta sus hazañas con un tono tan chulesco y humorístico que nos atrapa al instante; el lector devora los relatos uno tras otro. El humor es una baza importante, sin duda, pero la cosa no queda ahí: el tono de la narración varía constantemente, de un episodio a otro, y a veces dentro de un mismo cuento. Por lo tanto, de una situación jocosa podemos saltar a momentos trepidantes y hasta terroríficos, bruscamente, pero sin desestabilizar la narración. Mucho nivel. ¿Es Gerard un viejo fantasmón que se inventa historias a cambio de una copa? ¿O fue en realidad su juventud tan completa y emocionante? Da igual, esos retazos de Historia se viven con pasión. Porque además hay eso también, mucha Historia. Doyle consultó abundantes fuentes para retratar con fidelidad el primer cuarto del siglo XIX y a sus personajes más importantes; incluso se documentó con memorias de auténticos combatientes del período napoleónico.

Edición inglesa con fotograma de la peli de Skolimovski: Peter McEnery en plan fardón con la epatante Claudia Cardinale en salto de cama

Un vistazo a los títulos de los relatos basta para abrir el apetito. El primero pone en marcha el festival: "De cómo el brigadier llegó al castillo de los horrores". Otros presuponen momentos climáticos sin parangón: "De cómo el brigadier jugó una partida cuya apuesta era un reino". Algunos son sugerentes y hasta picarones: "De cómo el brigadier fue tentado por el demonio". Pero ninguno tiene desperdicio y cada uno nos sorprende más que el anterior: "De cómo el brigadier perdió su oreja", "De cómo el brigadier cabalgó hasta Minsk", "De cómo el brigadier Gerard se apoderó de Zaragoza", etc.

La aventura y el amor esperan al héroe a la vuelta de la esquina, héroe que, sable en ristre, rememora con emoción las glorias de una época pasada, de la que él fue protagonista oculto: "Siempre recuerdo con placer aquellos gloriosos tiempos, y después de comer, al echar la siesta en mi butaca, veo desfilar por delante de mí las inmensas filas de guerreros: los cazadores con sus chaquetas verdes, los elegantes coraceros, los lanceros de Poniatowsky, los dragones con sus capotes blancos y los inclinados chacós de los granaderos.

Después oigo el redoblar de los tambores y entre nubes de humo y polvo veo la línea de los bonetes altos, la fila de rostros arrugados por la intemperie y el movimiento de las largas plumas rojas, entremezclado todo con el brillo del acero, y por último, allá a lo lejos, rodeado de Ney, Lefèvbre y otros valientes bien conocidos, le distingo a él, aquel hombre pálido y severo de mirada lejana."

Buscad al brigadier Gerard, arrojado húsar al servicio de Napoleón.

2007-12-27T13:28:00.002+01:00

ANTOLOGÍA
DE CINE NAVIDEÑO
Comencemos con un par de bonitos vídeos

Sally canta en "Pesadilla antes de Navidad"

2007-12-27T13:28:00.001+01:00

Qué cara hay que tener para doblar las canciones, macho.

Meet Gary Cooper

2007-12-27T12:58:00.001+01:00

Aquí está Coop el probe a punto de entrar en el "Gran Hermano" de la época. Subtitulado en gabacho.

LA FESTIVIDAD DE NUESTRO SEÑOR EN EL CINE

2007-12-27T12:06:00.002+01:00

Es una festividad controvertida, tan llena de nauseabundas connotaciones comerciales y de vanos buenos sentimientos que mucha gente dice que no quiere disfrutarla como Dios manda. Pero por lo general lo hacen. Excepto mi amigo Suso, que se va a países exóticos por estas fechas para no estar en contacto con la hipócrita iluminación callejera del occidente. Yo tampoco comparto demasiado el espíritu navideño, ése que tiene una muy corta fecha de caducidad, pero no escupo sobre la efigie de Santa Claus… y me emociono con ¡Qué bello es vivir!
Y ya que en estas fechas no se debe destrozar la ilusión de los más pequeñines, y por si caen por este blog sin querer, en esta ocasión sólo hablaremos de pelis buenas o pelis decentes; no se aceptarán cochinadas de celuloide.

It´s a a wonderful life (¡Qué bello es vivir!, 1946), de Frank Capra.

Esta es una de las películas imprescindibles del Cine, y la que casi todo el mundo ha visto. James Stewart, reanudando su carrera después del parón bélico, aparece mayor, menos jovial, pero nos ofrece otra de sus grandes interpretaciones. La historia tenía que resultar ñoña a la fuerza, pero la maestría de Capra hace posible el milagro: imposible contener las lágrimas gracias a la narración controlada milimétricamente desde el principio y a unos personajes inolvidables.

The shop around the corner (El bazar de las sorpresas, 1940), de Ernst Lubitsch.
Una peli de un genio. El director alemán juega con las alegrías y dramas de la vida de unos personajes universales en las vísperas de Navidad. El escenario se reduce a la tienda del título y a una cafetería cercana, creando una tragicomedia imperecedera. Un James Stewart más jovencito nos enseña las pantorrillas en una escena memorable.

The bishop´s wife (La mujer del obispo, 1947), de Henry Koster.
No es tanto como las anteriores, pero se trata de la agradable fantasía navideña de un correcto artesano. Aquí hay un ángel seductor, Cary Grant, que tiene que ayudar a David Niven a conseguir dinero para una nueva iglesia. Simpáticos efectos especiales y una guapa Loretta Young que casi se cuelga del ángel (y viceversa).

Meet John Doe (Juan Nadie, 1941), de Frank Capra.
Un mendigo es víctima de manipulaciones políticas y periodísticas y amenaza con el suicidio en Nochebuena. Otra de las inolvidables fábulas de Capra. Impactante historia aparentemente ingenua con Gary Cooper y Barbara Stanwyck a la cabeza.

Miracle on 37th Street (1947), de George Seaton.
Bonita postal con el genial Edmund Gwenn en el papel de Santa, intentando convencer a una incrédula niña, demasiado adulta, de que él es en realidad el señor ése de los renos que tanto odia Pi. ¡Incluso lleva el asunto a juicio!

Mira qué riquiño es este Santa...

A Christmas Carol (Cuento de Navidad, 1951), de Brian Desmond Hurst.
El poco conocido director británico lleva a cabo la mejor versión del impresionante cuento de Dickens. El formidable Alastair Sim personifica a Mr Scrooge en esta producción inglesa.

White Christmas (Navidades Blancas, 1954), de Michael Curtiz.

El director húngaro, responsable de filmes imperecederos como Casablanca, no está en la mejor etapa de su carrera. La trama es tonta, a pesar de las canciones de Irving Berlin, la voz de Bing Crosby y la simpatía de Danny Kaye.

A nightmare before Christmas (Pesadilla antes de Navidad, 1993), de Henry Selick.

Del talento de Tim Burton salieron la historia y los personajes años antes de la realización de la película. Memorables animaciones stop-motion, al estilo del maestro Harryhausen. Jack Skellington, el rey de las calabazas de Halloween, se cansa de asustar y se enamora de las Navidades. Buenas canciones echadas a perder en la versión doblada.

Meet me in St Louis (Cita en San Luis, 1944), de Vincente Minnelli.

Un inolvidable musical que cuenta las peripecias de una familia a través de las cuatro estaciones del año antes de la Exposición Mundial de San Luis de 1903. El argumento navideño es especialmente potente, con Judy Garland cantándole a Margaret O´Brien Have yourself a Merry Little Christmas: me llega al tuétano.

Dead of Night (Al caer la noche, 1945), de Basil Dearden , Charles Crichton, Alberto Cavalcanti y Robert Hamer.

Una joya del cine de terror y misterio, en episodios. The Christmas Story es la que tiene lugar en una fiesta navideña. Una niña que juega al escondite tiene un encuentro con un pequeñín que llora. Intenta consolarlo, pero ¿quién es? Desde luegho, no un invitado. El escalofriante episodio lo dirige Cavalcanti.

The thin man (La cena de los acusados, 1934), de Woody Van Dyke.

La novela de Dashiell Hammett fue llevada al cine y el film sentó cátedra (e inició una serie de seis exitosas películas). Deliciosa intriga con toques de comedia con la maravillosa pareja William Powell-Myrna Loy como el detective Nick Charles y su mujer Nora (el trío lo completaba el simpático terrier Asta (¿simpático terrier?). Con una gran resaca de Año Nuevo, Nick se entretiene en reventar las bolas del arbolito con la escopeta de aire comprimido regalo de su esposa.

Los tres geniales protas de la serie

Kramer vs. Kramer (Kramer contra Kramer, 1979), de Robert Benton.

El inteligente drama nos deja un par de viñetas para el recuerdo: Ted Kramer (Dustin Hoffmann) y su hijo Billy (Justin Henry), que van aprendiendo a conocerse y quererse, intentan disfrutar de las Navidades en mutua compañía. La escena en la que Kramer irrumpe en una fiesta ajena para exigir un trabajo es de antología.

Die Büchse der Pandora (La caja de Pandora, 1928), de G.W. Pabst.

El virtuoso director alemán del cine mudo hace que la femme fatale Lulu (Louise Brooks) termine sus días a manos de -nada más y nada menos- Jack el destripador. En Nochebuena.

Ms Brooks te lleva a la perdición...

Citizen Kane (Ciudadano Kane, 1941), de Orson Welles.

El flash-forward más contundente de la historia: entre la frase "¡Felices Navidades...!" y "¡...y Feliz Año Nuevo!" transcurren dos décadas.

AVANCE NAVIDEÑO Y AGRADECIMIENTOS

2007-12-24T16:40:00.001+01:00

Por un lado, deciros que se está preparando una antología cinematográfica navideña que hará las delicias de los miles de asiduos a este blog. Se publicará en un par de días, en cuanto el Almax empiece a hacer efecto sobre las indigestiones varias de estas fechas.
Por otro lado, gracias a los comentarios que recibo de vez en cuando y que harán mejorar poco a poco este ya afianzado site. Y un agradecimiento especial a Maese Pi, que me regala en su blog con un clásico de culto que sólo conocía por referencias apasionadas de frikis de este tipo de cine. Hasta el viento tiene miedo es el titulillo de una "obra magna" del cine de terror mexicano, de 1968. Producción cutrilla de la familia Grovas, fue dirigida por un tal Taboada (da nosa orixe). Como suele pasar con este tipo de cine inspirado por la vertiente gótico-erótica de los ingleses de la Hammer, me temo que se tratará de un producto entretenidillo pero en última instancia desbarrado e inferior. Un día de estos la veré en la pantalla del ordenador y pondré mis prejuicios a prueba.

Por último, tengo varias sugerencias para futuras antologías de pelis: me embarcaré próximamente en una del maestro Ray Harryhausen (proposición decente de Pi), y en otra de funerales (proposición también decente de una visitante con seudónimo).

LA MUJER CASTIGADA

2007-12-18T13:56:00.000+01:00

Chicas entre rejas

La cárcel. Hace ya milenios que el hombre se dio cuenta de que la privación de libertad fastidia, y diseñó por primera vez ese habitáculo mínimo donde un ser puede languidecer durante toda su existencia. Como le pasaba a Burt Lancaster en The Birdman from Alcatraz, a veces un pajarillo se acerca a los barrotes.
Pero no es ahora el momento de enjuiciar la validez del sistema penal de uno u otro país o época, sino de admitir que la cárcel, como concepto y escenario, como teatro de drama y pasión, ha sido foco de inspiración para un subgénero cinematográfico del que han salido grandes muestras del Séptimo Arte. Sin embargo, no esperéis encontrar aquí reseñadas joyas como Brute force (Fuerza bruta, 1947), I am a fugitive from a chain gang (Soy un fugitivo, 1932) o The prisoner of Shark Island (Prisionero del odio, 1936).
La razón es que voy a prestar atención al cine carcelario... de mujeres.

Las féminas son malas también. La chica yerra y se ve tras los barrotes de una celda. El sexo débil tiene que demostrar que es el fuerte. Alcaides corruptos. Guardianes malvados y viciosos. ¿Véis algo nuevo? Bueno, la hembra retenida a la fuerza.

Up the river (Río arriba, 1930), de John Ford.

Spencer Tracy y Humphrey Bogart iniciándose en el cine, nada menos que de la mano de uno de los más grandes. Los dramas carcelarios estaban de moda, y Ford decidió convertir el encargo en una comedia. Chispeante y divertida, con una penitenciaría mixta que pone a cien al pobre Steve (Bogart).

Ladies they talk about (1933), de H.Bretherton y William Keighley.

Antes de que el estrecho de Hays introdujese su famoso código de censura, Barbara Stanwyck hace de convicta chula en este filme un tanto discreto.

Caged (Sin remisión, 1950), de John Cromwell.

Eleanor Parker (magnífica como siempre) entra en prisión. Peor el remedio que la enfermedad: la vida entre rejas es brutal y lo que antes del ingreso era un desliz se convierte a la salida en una vida criminal muy seria. Efectiva incursión en el género de un olvidado autor a tener en cuenta.

Turn the key softly (1953), de Jack Lee.

Drama social a la inglesa un tanto desatado. Unas cuantas chicas malas salen del trullo. La reinserción de marras les aguarda, pero no se puede decir que el cambio sea muy grande.

Blonde Bait (1956), de Elmo Williams.

Una cachondona yanki se empeña en fugarse de la cárcel británica en la que está recluída. Una baratija sin mucho interés.

I want to live! (¡Quiero vivir!, 1958), de Robert Wise.

Susan Hayward se desata -aunque no tanto- encarnando a la desafortunada prostituta-delincuente Barbara Graham (personaje real). Traicionada por sus cómplices, muere en la cámara de gas, acusada de asesinato. El drama se hace de rogar hasta la parte final, en la que Wise, a pulso, levanta la película y te deja atrapado a la butaca. Tras el plano final, en silencio, con Simon Oakland alejándose del lugar del crimen, se requiere una visita al bar para levantar el ánimo.

La mujer condenada

School for unclaimed girls (1969), de Robert Hartford-Davies.

La jovenzuela inadaptada se cepilla (mata) al novio de su mami en ingresa en un correccional. Correcto drama, sin más, con interpretaciones decentes.

99 women (1969), de Jess Franco.

Nuestro compatriota Jesús, basurero mayor del reino, y convertido en director de culto en diferentes zonas del orbe (la raza humana no deja de asombrar), pergeña una de tortilleras encarceladas. Unas cuantas tetas y culos, pero seguro que fueron los virados y los zooms los que pudieron dejar bizcos a los censores de la época. ¿Hoy? Franconadas: por un lado te partes el pecho un par de veces con unos cuantos planos impagables de pura aberración, y por otro, te preguntas qué demonios hacen Maria Schell, Mercedes McCambridge y Herbert Lom en este engendro fuera de categoría.

Women in cages (1972), de Gerry de Leon.

Bodrio que inaugura una variante sádico-erótica del sub-subgénero de "women in prison". Pam Grier (actriz con el obligado appeal de los actores negros, a pesar de aparecer casi toda su vida en vehículos sonrojantes de la blaxploitation, y que Tarantino dignificó en Jackie Brown) es una guardiana lesbiana a la que le mola el sadomaso, y se lo pasa chupi con las pobres reclusas. Después de ésta llegaron filmes ofensivos que convierten a una porno de cuarta fila en un producto digno.

Las nenitas van a expiar sus culpas.

Negrita mala, ahora vas a pagarlas...

Une belle fille come moi (Una chica tan decente como yo, 1973), de François Truffaut.

Terminemos con algo bueno. El talento del francés vuelve a brillar una vez más con esta comedia negra y atrevida. Bernadette Lafont, gamberra seria, narra su historia criminal en prisión a un estudiante de criminología. Pero el ingenuo no sabe de la capacidad de seducción de la pilla encarcelada.

2007-12-17T12:31:00.001+01:00

Talentos en televisión (?)
RETORNO A BRIDESHEAD

Sigamos echándole un vistazo a diferentes épocas de gloria para el aparatejo de la sala de estar. Y no nos alejemos de la pérfida Albión, pues una vez más se nos aparece como fuente inagotable de talento y exquisitez televisiva.
Por favor, decidme que alguno de vosotros recuerda a Sebastian Flyte, el vicioso y, en última instancia, destruido protagonista de Retorno a Brideshead, representante de la decadente clase alta británica que el escritor Evelyn Waugh retrató fieramente en varias novelas. ¿Sí?¿Veo a alguien asentir por allá, en la vigésima fila? No está todo perdido.

Flyte con el osito (qué tipo), y Ryder al lado, sin entender qué le pasa con su amigo.

Waugh escribió Brideshead Revisited en 1945, y Michael Lyndsay-Hogg y Charles Sturridge la llevaron a la pequeña pantalla al alimón en 1981, en una producción eminentemente británica, con aportación norteamericana y alemana. La serie obtuvo un éxito sin precedentes (su notoriedad en EEUU se debió más a los temas espinosos que trataba la historia, sin embargo) y lanzó al estrellato al excelente Jeremy Irons.
Brideshead Revisited no fue la única novela de Evelyn Waugh en la que se refleja la caída irremediable hacia las profundidades del foso de los reptiles, vía degradación y perversión, de la joven aristocracia británica: también echó mano al tema en A Handful of Dust (Un puñado de polvo), novela anterior (1934) llevada con un tono más ligero. De hecho, el escritor londinense cambió el espíritu de su obra después de la Segunda Guerra Mundial; antes sus escritos habían gozado de un toque más ácido y humorístico, lleno de agudeza: ahí está también su Scoop.

Brideshead Revisited trata la excentricidad y la naturaleza depravada de jóvenes aristócratas-universitarios de Oxford en las primera décadas del siglo XX. Sebastian Flyte (memorable interpretación de Anthony Andrews, actor popular en los 80) es el carismático petimetre que, con dotes de hipnotizador, se mete en el bolsillo al "penniless" Charles Ryder (Jeremy Irons), generando directa e indirectamente una ola gigantesca de pasiones ocultas y terribles secretos descubiertos que engullen a varias familias y afectan a más de una generación. La trágica saga familiar es contada en flashback por el propio Ryder, que revive las experiencias vividas con su familia y con la de Flyte. La presencia majestuosa y a la vez inquietante de la mansión familiar del segundo preside la historia: su nombre es Brideshead.
Los dos directores involucrados en el proyecto llevaron a cabo la empresa con gran atención al detalle y a las caraterizaciones, dando con un buen gancho narrativo al que ayudaba en gran medida el potente reparto de la serie: aparte de los ya nombrados Irons y Andrews, aparecía gente como Laurence Olivier, John Gielgud, Claire Bloom o Stephanie Audran.

Laurence Olivier, el patriarca. Su hijo Sebastian lo trae de calle.

Ni Lyndsay-Hogg ni Sturridge alcanzaron cotas tan altas de calidad en su trabajo posterior como con esta serie de 11 capítulos que nos relata la historia más íntima de unos personajes con heridas marcadas a fuego. Miembros de un país que se ve abocado a una guerra sin precedentes y que se enfrentan a ese conflicto con un espíritu debilitado por su comportamiento en una sociedad clasista y mezquina. De ahí salen seres infelices que, al final, son dignos de nuestra compasión.

Amor a primera vista. El entrañable momento en que Sebastian y Charles se conocen. Al final, un colega de Flyte se disculpa por el comportamiento de su amigo: "To understand all is to forgive all". Qué jeta.

2007-12-13T10:13:00.001+01:00

EL DEMONIO EN LA BOTELLA
Cine de alta graduación

Hay gente que dice que las bebidas alcohólicas no saben bien. Puede que tengan razón, porque los adjetivos esgrimidos por los abstemios (el alcohol es amargo, ardiente y un largo etcétera) no son más que puras verdades. Y, sin embargo, el cuerpo del ser humano se ha habituado al alcohol. Muchos agradecemos ese amargor y ese calor que nos envuelve, provocándonos la sensación de lejanía, haciéndonos sobrevolar la escena y viendo todo a través de un velo genial: acabamos de agarrar una borrachera. Y nos reímos. Hay algunos que lloran en sus juergas pero son los menos, en realidad, y unos aguafiestas, además. O a lo mejor es que no saben beber.

Bien. hasta aquí, el alcohol puede ser más o menos recomendable según ciertos cánones de salud, pero lo que sí es cierto es que la botella puede alcanzar la categoría de enemigo público tras etapas más o menos fugaces -dependiendo de la persona- como enemigo privado. Es cierto que el alcohol puede destruir a un ser humano; al que acudió a él por problemas personales, al que se entregó ciegamente, confiando en las bondades de la noche de diversión o, simplemente, al incauto cuyo organismo sucumbió a los seductores atributos del néctar.

Vamos a echarle un vistazo, por lo tanto, a una serie de filmes (no será raro observar una joya del cine seguida de morralla de ínfima calidad, en favor del contraste y un poco de chacota) en los que el alcohol es, de una u otra manera, protagonista principal del drama.

Mmm... Tengo un culín de bourbon color de bronce a mi lado, y lo voy a disfrutar muy despacito, mientras escribo... Ahora no me apetece el gin-tonic; eso pa después de las cenorras, con Pi.

¿De quién serán las manos expertas que preparan el glorioso elixir? ¿De PI con chaqueta? Si no fuera por el anillo...

1- Drunkard´s Reformation (1909), de David Wark Griffith.
Uno de los primeros genios del cine, Griffith ya trataba en los albores del siglo pasado los temas sociales más variados, y no fue ésta la única vez que se metió a fondo con la bebida. Sus películas, como las de muchos otros maestros pioneros, destacan por la sinceridad y crudeza con la que se exponen los temas, aunque el mensaje final contenga a veces excesivas dosis de moralina. No he visto nunca esta película -ni creo que sea fácil que lo consiga-, pero en ella el borracho logra exorcizar al "Demon Alcohol" sobre el que cantaban los Kinks en el 71.

2- Gone with the wind (Lo que el viento se llevó, 1939), de Victor Fleming et al.
Ésta nos vale para ejemplificar la labor esencial del alcohol en el avance de la trama de muchas películas. Rhett Butler excede un poquito y no se le ocurre otra cosa que forzar a su temperamental Scarlett. Un momento cumbre de una de las grandes obras de la Historia del Cine.

3- The Roaring Twenties (Los violentos años veinte, 1939), de Raoul Walsh.
La gran película sobre la época de la "Ley Seca" en EEUU. James Cagney tiene algunos escrúpulos, y por eso fracasa en su carrera gangsteril. Bogart no los tiene, y le pasa lo contrario. De todas maneras, al final pagan justos y pecadores. Walsh nos regala con una de la mejores secuencias de tiroteo en un restaurante que se haya rodado. Y, por supuesto, ese final antológico con Cagney lleno de balas trastabillando frente a la escalinata nevada de la iglesia.

Cagney tranquiliza a sus colegas (Frank McHugh y Bogart).

"Nos han pillado, tíos. Pero no quiero tiros; hay cosas valiosas ahí detrás."

4- Dumbo (1941), de Ben Sharpsteen.
De cuando las producciones animadas de Walt Disney tenían un par. Ésta es una de las mejores, con momentos emocionantes, canciones cojonudas -en versión original, por supuesto- y una borrachera de órdago por parte del elefantito (hoy no sería políticamente correcta para los niñitos), en la que flipa con una legión de elefantes rosas. ¡Hip!

La visión etílica del famoso elefantito. ¡Un clásico psicodélico!

5- The lost weekend (Días sin huella, 1945), de Billy Wilder. Un impresionante drama del genio vienés: la odisea de un alcohólico que lleva demasiados grados encima ya. Ray Milland (epítome del actor de cine, en plan Cary Grant, anti-Jack Nicholson) ganó el Oscar, cuando éste significaba algo. Inolvidables episodios de "delirium tremens", junto con uno de los finales más sinceros y estremecedores que se hayan rodado.

6- The big hangover (1950), de Norman Krasna.
El título lo dice todo: hay una gran resaca permanente en la vida de Van Johnson. El pobre sufre una gran alergia (?) al alcohol, y en el momento menos esperado da la nota. Ésta es bastante plasta y además predecible. Krasna: de donde no hay, no se saca.

7- Come fill the cup (1951), de Gordon Douglas.
El efectivo todoterreno Douglas nos cuenta la historia de un ex-periodista que quiere vencer su adicción. El tipo es Cagney, en una caracterización bastante medida y contenida.

8- Days of wine and roses (Días de vino y rosas, 1962), de Blake Edwards.
Grandes papeles para Jack Lemmon y Lee Remick, pero, ¿sabéis qué? Demasiado grandes, a mi parecer. La realización y la historia de la película, de una intención y acierto encomiables, pero hay un tufillo a peli-tras-oscars que me molesta. En definitiva, buena película de alto voltaje, pero no hay color si echamos mano de la número cinco.

9- Veronika Voss (La pasión de Verónica Voss, 1982), de Rainer Werner Fassbinder.
El controvertido director murió poco después de la realización de esta película, víctima de una combinación letal de drogas y alcohol. ¡Je! La biografía de la amiguita de Goebbels, a la que diez años después del final de la guerra se veía colgada de la morfina, resultó en verdad premonitoria para el alemán. Voss fue una estrella del cine alemán de los 40, que no aceptaba algo más suave que un vodka para desayunar.

10- Leaving Las Vegas (1995), de Mike Figgis.
El papelón de Nicolas Cage. Se llevó un Oscar. Alcanzó la cima. Para mí, simplemente se convirtió en "el tragaderas". El tipo no ve una posible luz en su vida y decide suicidarse metiéndose trilita hasta estallar. El nauseabundo viaje no se detiene ni aunque una prostituta tan poco creíble como Elisabeth Shue aparezca por allí. Una película que va de implacable, cuando lo que en realidad sucede es que no tiene historia que contar.

El Cage dándole al vidrio. ¡Animal!

Talentos en televisión (?)

2007-12-05T19:40:00.000+01:00

THE SHERLOCK HOLMES SERIES

Este es un repaso a los escasos momentos gloriosos del aparatejo de marras. Hoy recalaremos en los docks de Londres y nos alejaremos de la vertiente brumosa del Támesis para, sin que la niebla nos abandone, dirigirnos a Oxford Street, y más al norte de la City. Ya está, hemos llegado a Baker Street, donde reside el personaje de ficción más veces llevado al cine; sólo su ilustre contemporáneo Drácula se le acerca. Pero es que, además, el detective de rostro aquilino y mirada penetrante ha inspirado más series de televisión diferentes que ningún otro ser imaginario.

La primera retransmisión televisiva de Sherlock Holmes tuvo lugar a principios de los años 50, con Ronald Howard, hijo del glorioso Leslie Howard, en el papel de Holmes. Resultó, al parecer, un producto digno, aunque con historias un tanto rutinarias, que no exaltaban la personalidad inimitable del sabueso de Conan Doyle. Douglas Wilmer fue protagonista de una serie de mayor calidad unos años más tarde. El actor británico es bastante admirado en los círculos holmesianos, hasta el punto de que aparece a la cabeza de muchas de las listas que glorifican al mejor Sherlock de carne y hueso. La serie se beneficiaba, a diferencia de lo que pasó con la de Howard, de las historias originales, las extraídas del Canon, y no de pastiches más o menos entretenidos.

A mediados de los 60 fue el turno de Peter Cushing, uno de mis actoresde cabecera. Cushing ya había encarnado a Holmes en la versión en pantalla grande de Terence Fisher de The Hound of the Baskervilles, para la Hammer, y ahora era la BBC quien le pagaba por blandir la lupa con aplomo. De nuevo se echó mano de los escritos de Doyle y se llevaron a la pequeña pantalla unas aventuras que ya forman parte de la memoria popular de generaciones, aunque todavía haya gente que esboce una sonrisilla condescendiente cada vez que se alaba la novela de misterio. De la serie de la BBC se recuerda con especial atención la adaptación de El sabueso de los Baskerville, sobre todo por el rodaje en los auténticos páramos de Dartmoor en los que tiene lugar la magistral narración original.

Pero mi devoción por Cushing no es suficiente para que niegue el hecho de que la productora Granada se sacase de la manga la mejor serie de la historia del personaje a mediados de los 80. Fue protagonizada por un excelente actor, Jeremy Brett, y en esta ocasión se adaptaron casi todas las historias originales de Sherlock Holmes en los casi diez años que duró la aventura de la productora. La serie fue definitivamente cancelada tras la muerte de Brett. Huelga decir que la ambientación, las interpretaciones, la dirección y la música resultaron, en general, impecables, como en toda producción británica que se precie. Brett, al que los amantes del cine visualizarán como el hermano de Audrey Hepburn en Guerra y Paz, de King Vidor o como el pretendiente de...Audrey Hepburn, en My Fair Lady, de George Cukor, será siempre recordado como el Sherlock Holmes definitivo para mucha gente. Uno de esos actores que tuvo la oportunidad de conocer la televisión de tiempos dignos. Y un escalofrío de satisfacción recorre mi cuerpo cada vez que Holmes (Brett) azuza al buen doctor (Edward Hardwicke o David Burke) con el consabido: "¡Watson, comienza el juego!".
Arriba tenéis al gran Cushing en un fotograma de El perro de los Baskerville, versión BBC. Y a continuación, la escena climática en las cataratas de Reichenbach (Suiza) de El problema final, con Jeremy Brett enfrentándose al profesor Moriarty (Eric Porter).